Legions Of The Twilight

Theocracy - "As The World Bleeds"

2012-02-13T12:33:00.000-08:00

Titolo: "As The World Bleeds"
Autore: Theocracy
Genere: Power Metal
Anno: 2011
Etichetta: Nightmare Records
Voto: 7
Sito internet: www.theocracymusic.com

Non avevo mai sentito parlare dei Theocracy, giovane band statunitense che con questo interessantissimo “As The World Bleeds” aggiunge il terzo tassello alla propria discografia.
Ho cercato informazioni su Wikipedia e ho scoperto che il gruppo è attivo dai primi anni Duemila, dedito inizialmente a un metal di stampo progressive.
Nel secondo disco gli elementi prog vengono accantonati a favore di un sound più robusto e diretto, che da li in poi diventerà il loro marchio di fabbrica.
Nonostante provengano dall’America, il genere dei Theocracy è un power metal tipicamente europeo, con qualche sfumatura prog messa a condimento grazie all’abilità tecnica di tutti i componenti del gruppo. Nei Theocracy confluiscono le migliori soluzioni e sonorità di gruppi relativamente giovani come Stratovarius, Gamma Ray, Blind Guardian, Edguy, Sonata Arctica (tanto per citare i più gettonati; di cui riprendono anche un certo spirito “happy metal”) maneggiate però con destrezza e sufficiente personalità. Il disco è ben suonato, la prestazione dei singoli membri notevole, i suoni potenti e cristallini, merito anche di una produzione coi fiocchi.
Il disco parte un po’ in sordina con “I Am”, brano di undici minuti di durata che nonostante gli interessanti momenti prog non riesce a decollare in pieno. Ma con la successiva “The Master Storyteller” ci si rimette in carreggiata, con un inizio esaltante (che ricorda certe partenze a mille dei Dragonforce) e un ritornello molto orecchiabile che rimane subito impresso. Segue senza tregua una lista di brani molto accattivanti: “Nailed”, una delle canzoni che più preferisco, per la vena trash che le conferisce tiro e potenza; “Hide In A Fairytale”, “The Gift Of Music”, che parte come una ballad ma poi esplode in un ottimo brano power dalle sfumature progressive; “30 Pieces Of Silver”, in cui trash ed epic metal si sposano alla perfezione.
Nei pezzi finali c’è un leggero calo con brani più sempliciotti e canonici (“Altar Of The Unknown God”, “Light Of The World”). Chiude l’ottima title track, “As The World Bleeds”.
I Theocracy sanno il fatto loro, la lezione l’hanno assimilata bene e l’abilità tecnica non si discute, tuttavia quello che un pò penalizza il cd è la sensazione di già sentito che aleggia qua e la tra i riff e i ritornelli.
I presupposti per un capolavoro futuro però ci sono tutti, quindi occhio a non perderli di vista.

Tracklist:

The Master Storyteller
Nailed
Hide In The Fairytale
The Gift of Music
30 Pieces of Silver
Drown
Altar to the Unknown God
Light of the World
As the World Bleeds

Line up:

Matt Smith (Voce, Tastiera)
Val Allen Wood (Chitarra)
Jonathan Hinds (Chitarra)
Jared Oldham (Basso)
Shawn Benson (Batteria)

Unisonic - "Ignition"

2012-02-04T11:10:00.001-08:00

Titolo: "Ignition"
Autore: Unisonic
Genere: Hard Rock
Anno: 2008
Etichetta: Ear Music/Edel
Voto: 6
Sito internet: http://www.myspace.com/unisonic

Kai Hansen e Michael Kiske di nuovo insieme: il sogno segreto dei metallari di mezzo mondo.

E finalmente il sogno è diventato realtà. Già da più di anno Kai Hansen aveva dichiarato di avere in cantiere un progetto insieme al vecchio compagno di avventure negli Helloween, progetto che si concretizzerà definitivamente in primavera con la pubblicazione del primo full lenght con il monicker Unisonic, anticipato però dal qui presente “Ignition”, mini album sfornato come antipasto per placare la voracità dei fan e degli addetti ai lavori.
Difficile fare una valutazione, il disco infatti è costituito da 4 brani, tre inediti più la versione live del classico degli Helloween “I Want Out”.
Gli inediti non sono particolarmente esaltanti: Unisonic è un pezzo tirato molto Priest oriented mentre “My Sanctuary” e “Souls Alive” sono più hard rockeggianti.
I brani di per se non sono male, ma non brillano certo per qualità o originalità, sono pezzi standard che starebbero benissimo su qualche album dei Gamma Ray o del Kiske solista, tuttavia si lasciano ascoltare con piacere specialmente per la prestazione di Michael, come sempre eccelsa (ah…quel vibrato!).
Di fatto, il brano più esaltante è proprio “I Want Out”, che dal vivo è sempre una goduria.
Che dire, prima di sparare sentenze, aspettiamo il full lenght e poi si vedrà.

Tracklist:

1. Unisonic 03:24
2. My Sanctuary 04:14
3. Souls Alive (demo version) 05:13
4. I Want Out (Helloween cover - 2011 live version) 05:34

Line up:

Michael Kiske (vocals)
Kai Hansen (vocals, guitar)
Dennis Ward (basso)
Kosta Zafiriou (batteria)
Mandy Meyer (guitar)

Kip Winger - "From The Moon To The Sun"

2012-02-03T12:56:00.000-08:00

Titolo: "From The Moon To The Sun"
Autore: Kip Winger
Genere: Rock/Ambient/Prog
Anno: 2008
Etichetta: Frontiers
Voto: 7,5
Sito internet: www.kipwinger.com

Nel 2008 Kip Winger supera se stesso pubblicando “From The Moon To The Sun”, probabilmente il lavoro più bello della sua carriera solista.
Stilisticamente il disco si rifà al precedente "Songs From The Ocean Floor" (recensito proprio qui sotto), migliorato però sotto l'aspetto compositivo per l'assenza di momenti sottotono. Ritroviamo subito le atmosfere orientali e arabeggianti tanto care a Kip fin dall’opener “Every Story Told”, brano positivo e solare; e nella successiva “Nothing”, dove un intro etnico fa da preludio a un brano aor molto intenso.
I brani più interessanti sono quelli d’atmosfera, in cui maggior spazio viene lasciato alle tastiere libere di creare atmosfere eteree dai toni intensi e molto personali. Tra i migliori vale la pena citare la suadente “Pages And Pages”, dove pianoforte e archi sono lo sfondo di una bellissima melodia che a tratti ricorda le composizioni di Brian Eno; la sperimentale “Ghosts” (incrocio di musica da camera e jazz) e “In Your Eyes Another Life”, il cui incedere drammatico ricorda i Pink Floyd più oscuri dell’era Waters e anche Richard Wright per quanto riguarda suoi lavori solisti (dominati da una malinconia di fondo).
Ne consegue che il disco è di difficile assimilazione, e a parte i primi brani più fruibili (tra cui spicca la radio friendly “Where Will You Go”, utilizzata come singolo), non bastano i soliti due/tre ascolti per memorizzare le melodie, anzi, proprio come per il disco precedente, servono diversi passaggi per carpire e apprezzare tutte le sfumature della musica di Kip.
Il percorso musicale del Kip Winger solista è un viaggio estremamente personale, un’esplorazione di zone lontane che si concretizza nell’impiego di soluzioni stilistiche variegate e ricercate.
Tutto il disco emana una sensazione di calore che si espande attraverso le note; atmosfere sognanti che richiamano l’oceano e isole sperdute (complici soprattutto gli assolo di chitarra a effetto “gabbiano”).
“From The Moon To The Sun” è musica scritta con il cuore, legata ad esperienze e sentimenti, e dunque destinata a rimanere impressa nel cuore dell’ascoltatore per sempre.

Tracklist:

1) Every Story Told

2) Nothing

3) Where Will You Go

4) Pages And Pages

5) Ghosts

6) In Your Eyes Another Life

7) Runaway

8) California

9) What We Are

10) One Big Game

11) Why

12) Reason To Believe

13) Monster (European Bonus Track)

Kip Winger - "Songs From The Ocean Floor"

2012-01-29T10:58:00.000-08:00

Titolo: "Songs From The Ocean Floor"
Autore: Kip Winger
Genere: Rock/Ambient/Prog
Anno: 2000
Etichetta: Frontiers
Voto: 7
Sito internet: www.kipwinger.com

Brillante lavoro questo “Songs From The Ocean Floor” di Kip Winger.

Per chi si è perso la scena hard rock anni Ottanta vale la pena ricordare che i Winger sono un gruppo hard/heavy statunitense, capitanato da Kip Winger, famoso per essere stato il bassista di Alice Cooper dal 1985 al 1989 e per aver in seguito collaborato con artisti del calibro di Bob Dylan, Twisted Sister, Jordan Rudess.

Sul finire degli anni Ottanta gli Winger ottennero un discreto successo grazie ai primi due album, (“Winger” e “Into The Heart Of The Young”), ma sparirono velocemente all’inizio degli anni Novanta travolti dall’ondata grunge.

Nel 2006 viene ufficializzata la reunion e nel 2009 viene pubblicato “Karma”, attualmente l’ultimo album in studio.

Musicalmente la carriera solista di Kip Winger si discosta notevolmente dalla band madre, accantonando il metal per lasciare spazio a sonorità più mature e raffinate che spaziano dal pop all’ambient, dal soft rock alla fusion, adottando soluzioni a volte sperimentali tipiche del prog che saranno poi sviluppate nel più recente “From The Moon To The Sun” (2008).

“Songs From The Ocean Floor” è un disco intimista, a tratti “sofisticato” (necessita assolutamente di tanti ascolti prima di farsi apprezzare), che affascina per la varietà delle atmosfere proposte.

I brani sono tutti molto belli, e se proprio si vuole cappare nel mazzo opterei per quelli più personali e intimi, come “Sure Was A Wildflower”, la romantica “Two Lovers Stand”, la suadente “Landslide” (un pezzo quasi new age), l’arabeggiante “Free” e le conclusive “Resurrection” e “Everything You Need”, queste ultime un po’ più sui generis.

Un disco insomma molto intenso, di quelli che sfidano le mode e che rimangono impressi per sempre nel corso del tempo.

Tracklist:

1) Cross

2) Crash The Wall

3) Sure Was A Wildflower

4) Two Lovers Stand

5) Landslide

6) Faster

7) Song Of Midnight

8) Free

9) Only The World

10) Broken Open

11) Reseurrection

12) Everything You Need

Widowmaker - "Blood And Bullets"

2012-01-21T07:55:00.000-08:00

Titolo: "Blood And Bullets"
Autore: Widowmaker
Genere: Hard Rock
Anno: 1992
Etichetta: n.n.
Voto: 6,5
Sito internet: www.deesnider.com

La notizia dell’uscita dell’autobiografia di Dee Snider ha suscitato la curiosità di scoprire la carriera solista (purtroppo non fortunata) di quello che per me resta uno dei migliori cantanti metal di sempre.

Quando iniziai ad ascoltare musica metal i Twisted Sister furono tra i primi gruppi che conobbi. All’epoca si erano già sciolti e su MTV circolavano alcuni video di Dee Snider con i suoi nuovi progetti solisti. Sfortunatamente i canali di duffusione di massa come you tube non esistevano ancora, ed era molto difficile reperire dischi che uscivano solo per il mercato statunitense (oppure bisognava ordinarli e pagarli salati!), e di fatto i dischi solisti di Dee Snider ebbero una distribuzione molto limitata.

La carriera solista di Dee Snider nasce subito dopo l’abbandono dei Twisted Sister (a causa dell’insuccesso del mediocre “Love Is For Suckers”) con il progetto Desperado, che però ha vita breve, vista la scarsa attenzione da parte delle case discografiche. Deciso a non mollare, Snider mette in piedi un nuovo gruppo, i Widowmaker, con il quale pubblica due dischi: “Blood And Bullets” (oggetto della recensione) e “Stand Up For Pain”. Il primo risquote un discreto successo, il secondo invece viene accolto tiepidamente, pertanto nel 1996 finisce anche questa avventura.

Ma la passione per la musica non ferma Dee, che continua a suonare nei club con la Dee Snider's SMFs Band proponendo dal vivo vecchi successi dei Twisted Sister, tant’è che da li a poco tempo si riuniranno per clamorosi concerti in tutto il mondo.

Ma veniamo a questo interessante “The Widowmaker”.

Il disco è un ottimo concentrato di classico hard rock anni Ottanta, tirato ed energico in piena tradizione “twistedsisteriana”. In questo senso il disco acquista ancora più valore se si pensa all’anno di uscita, il 1992, periodo di crisi nera per il metal in generale a causa dell’invasione del grunge. La band è formata da Al Pitrelli alla chitarra (Savatage, Alice Cooper, Asia), Marc Russel al basso e Joey Franco alla batteria, già compagno nei Twisted Sister.

Il disco non è eccezionale, tuttavia tosto e bello carico, pervaso da una vena rock’n’roll che riesce comunque ad infiammare l’animo ad alto volumo.

La partenza è di quelle toste, con la doppia cassa di “Emaheevul “, si rallenta con le ottime “The Widowmaker” e “Evil”, per poi ripartire in tromba con l’hard rock festaiolo di “The Lonely Ones” e il rock’n’roll di “Snot Nose Kid”.

Nella parte centrale troviamo qualche pezzo più sottotono (“Blood And Bullets”, “Gone Bad”), ma anche un interessante pezzo blues (“Blue For You). Del trittico finale il brano migliore è “We Are The Dead”, un anthem da cantare a squarciagola.

In definitiva un buon album, un’ottima occasione per ascoltare un po’ di sano hard rock e l’intramontabile voce di Dee Snider.

Tracklist:

1. Emaheevul - 3:20
2. The Widowmaker - 5:08
3. Evil - 3:05
4. The Lonely Ones - 4:59
5. Reason to Kill - 5:34
6. Snot Nose Kid - 4:07
7. Blood and Bullets - 3:16
8. Gone Bad - 3:19
9. Blue for You - 6:17
10. You're a Heartbreaker - 3:21
11. Calling for You - 4:47
12. We Are the Dead - 3:47
13. Easy Action (bonus track edizione giapponese)

Line up:

Dee Snider - Voce
Al Pitrelli - Chitarra
Marc Russel - Basso
Joey "Seven" Franco - Batteria

Alcest - "Le Voyage de l'Ame"

2012-01-19T09:02:00.000-08:00

Titolo: "Le Voyage de l'Ame"
Autore: Alcest
Genere: Post Rock
Anno: 2012
Etichetta: Prophecy
Voto: 6,5
Sito internet: www.alcest-music.com

Il 2012 comincia con il ritorno dell'interessante e originale progetto Alcest di Neige, che con "Le Voyage de l'Ame" giunge al terzo full lenght della sua carriera.
Proponendo un genere di difficile catalogazione, è molto probabile che non tutti sappiano chi siano gli Alcest, pertanto vale la pena fare un piccola presentazione.
Gli Alcest nascono nel 2000 come gruppo black metal, costituito dal fondatore Neige (Amesoeurse, Peste Noire) a cui si uniscono i musicisti Argoth (Peste Noire) e Famine (Peste Noire, Valfunde). Dopo la pubblicazione di qualche demo i soci di Neige abbandonano il gruppo per divergenze musicali e gli Alcest diventano, di fatto, una one-man-band del solo Neige, che sterzerà verso sonirità decisamente diverse dal black metal. Il genere proposto è infatti è una sorta di rock post moderno dalle tinte decadenti e malinconiche, con liriche sfondo onirico-fantastico. Una musica molto triste e introspettiva, a tratti eterea, che racconta (come spiegato dallo stesso Neige) un mondo immaginario costellato di «colori, forme e suoni che qui non esistono» e popolato da fate ed esseri sovranaturali. La funzione della musica è proprio quella di permettere all’ascoltatore di accedere ai ricordi dell’infanzia, concetto introdotto con il primo EP “Le Secret” e poi sviluppato nell’ottimo “Souvenirs d’une Autre Mond” del 2007.
Il qui presente “Le Voyage de l’Ame” prosegue la strada intrapresa dal punto di vista tematico che da quello prettamente musicale.
Il disco è composto da otto tracce molto intense e di difficile assimilazione; brani sognanti in cui atmosfere soavi vengono interrotte da accelerazioni simil-black con tanto di scream in sottofondo. Purtroppo questo lavoro non può essere considerato alla stregua degli altri, risultando in più punti prolisso e, fondamentalmente, noioso. C'è una certa monotonia nei brani, complici l'uso dei soliti pochi strumenti, voce soffusa e piatta, sonorità sempre uguali e ritmo dall’incedere lento e decadente che spesso rende indistinguibile il passaggio da un brano all'altro. Tra i migliori vale la pena citare “Autre Temps”, “Beings Of Light” e “Summer’s Glory”.
Un disco comunque valido, emozionante e intimo, un vero viaggio dell'anima.

Tracklist:

01. Autre Temps
02. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles
03. Les Voyages De L'Âme
04. Nous Sommes L'Emeraude
05. Beings Of Light
06. Faiseurs De Mondes
07. Havens
08. Summer's Glory

Symphony X - "Iconoclast"

2012-01-10T12:13:00.000-08:00

Titolo: "Iconoclast"
Autore: Symphony X
Genere: Progressive Metal
Anno: 2011
Etichetta: Nuclear Blast
Voto: 7
Sito internet: www.symphonyx.com

I Symphony X hanno proprio deciso di pestare duro.

Dopo il potente “Paradise Lost” ci si aspettava in qualche modo un ritorno ad un’attitudine più progressive (visti anche i quattro lunghi anni trascorsi), e invece il nuovo “Iconoclast” picchia ancora più del predecessore.
Il suono delle chitarre si è ulteriormente irrobustito, i riff sono potenti e oscuri, e a troneggiare su tutto la magnifica voce di Russel Allen più ruggente e rabbiosa che mai.
Ad essere sincero questa nuova direzione musicale non mi convince molto, mi sembra più che altro un’espediente per sopperire a un’evidente carenza compositiva.
Innanzitutto c’è da notare come “Iconoclast” sia fondamentalmente un disco di ottimo power metal, costruito con parti intricate e complicate (nella migliore traduzione Symphony X) in cui comunque di progressive vero e proprio ce n’è poco.
Certo non mancano i riff tecnici di Romeo o le parti di tastiera più d’atmosfera (il disco è di difficile assimilazione, occorrono diversi ascolti), tuttavia siamo molto lontani da capolavori come “The Divine Wings of Tragedy” o “V: The New Mythology Suite”.
Difficile capire questa scelta, spero che sia stata dettata da motivi puramente commerciali, magari spinti dalla nuova label, l'astuta Nuclear Blast.
Ma non scoraggiatevi, anzi, tenete duro e affilate l’orecchio, e vedrete che alla fine potrete godere di un’ora e più di ottima musica metal, suonata come dio comanda.
Il disco si apre con la title track, “Iconoclast”, un brano lungo 10 minuti (uno dei migliori) dall’intro epico che poi sfocia in una cavalcata power con un ritornello molto ruffiano che farà sicuramente strage in sede live (We are strong/We will stand and fight!Fight!).
Seguono brani canonici come “The End Of The Innocence” o “Dehumanized” (in cui Allen rugge come un leone), e altri più riusciti come la veloce “Bastards Of The Machine” e l’oscura “Heretic”.
Ma il pezzo capolavoro è “When All Is Lost”, una ballata di 9 nove minuti che si candida a miglior brano dei Symphony X. Classe, melodia, assoli eleganti e ispirati, un’interpretazione magnifica di Allen: questi sono gli ingredienti di una bellissima canzone che si lascia ascoltare all’infinito.
Peccato però che dopo questa si ritorni ad un power molto aggressivo con melodie poco ispirate.
Difficile tirare le somme di un disco che comunque è di notevole spessore musicale.
Non mi resta che sperare in un ritorno, anche parziale, al sound delle origini.
Del disco è anche prevista un’edizione speciale composta da 2 cd (contenente 3 brani in più rispetto al cd singolo composto da 9 brani).

Tracklist:

1) Iconoclast – 10:53
2) The End of Innocence – 5:29
3) Dehumanized – 6:49
4) Bastards of the Machine – 4:58
5) Heretic – 6:26
6) Children of a Faceless God – 6:22
7) Electric Messiah – 6:15
8) Prometheus (I Am Alive) – 6:48
9) When All Is Lost – 9:10

Line up:

Russell Allen - voce
Michael Romeo - chitarra
Michael Lepond - basso elettrico
Michael Pinnella - tastiere

Jason Rullo - batteria

Buon anno!

2012-01-01T11:24:00.000-08:00

Grave Digger - "Heart Of Darkness"

2011-12-13T12:55:00.000-08:00

Titolo: "Heart Of Darkness"
Autore: Grave Digger
Genere: Power Metal
Anno: 1995
Etichetta: BMG Records
Voto: 8
Sito internet: www.grave-digger-clan.com

La rinascita del power metal nella prima metà degli anni Novanta è sicuramente merito anche dei Grave Digger, che nel 1995 danno alle stampe quello che a mio avviso è il disco più bello della loro carriera: “Heart Of Darkness”.
Anche se spetterà a “Tunes Of War” (pubblicato l’anno successivo) il compito di consacrare la band nell’olimpo del metal, “Heart Of Darkness” rimane l'episodio musicalmente più riuscito.
Costituito prevalentemente da mid tempo potenti e rocciosi, il disco si rivela un vero e proprio macigno, con pezzi dal tiro formidabile in grado di scatenare headbangings forsennati.
Ma veniamo subito al sodo.
Dopo l’intro di rito il disco esplode subito in faccia con la veloce “Shadowmaker”, potente e tagliente. Segue “The Grave Dancer”, un brano semplice quanto potente che dal vivo diventa ancor più devastante, cantato a squarciagola dal pubblico che salta impazzito.
La successiva “Demon’s Day” è una bomba atomica, iniziando con un arpeggio tranquillo a cui segue una terrificante esplosione della chitarra accompagnata da un urlo infernale di Chris Boldentahl. Da brivido! Il pezzo è pesantissimo, forse un po’ troppo ripetitivo ma comunque bellissimo. Tra i restanti brani vale la pena ricordare la bellissima title track (credo mai proposta dal vivo, purtroppo), dove potenza, melodia e atmosfere epiche si fondono magicamente in un pezzo di quasi dodici minuti di durata.
Verso la fine gli episodi degni di nota sono la priestiana “Cirlce Of Witches” (ormai un classico) e l’oscura "Black Death". In realtà tutto il è permeato da un’oscurità che lo rende originale e non commerciale. Dal successivo “Tunes Of War” invece la componente “malefica” verrà sempre meno, e i nostri ci abitueranno a melodie più semplici e accattivanti (incantesimo spezzato temporaneamente nel 2001 con la pubblicazione dell’ottimo “The Grave Digger”, che riprenderà lo spirito, l’atmosfera oscura e la potenza di “Heart Of Darkness”).
Inutile sottolineare che i Grave Digger non hanno mai brillato per originalità o capacità tecnica, anzi, volendo essere obiettivi (e un po’ cattivelli), devo ammettere che tutti i chitarristi che hanno militato nella band (Manni Schmidt compreso) sono davvero scarsi, specialmente lo storico Uwe Lulis, autore di assoli davvero pessimi.
D’altra parte però i Digger colpiscono per la coerenza e la passione che mettono in quello che fanno, e soprattutto per le devastanti esibizioni live, dove danno sempre il massimo.
Per ultimo, non per importanza, i Digger hanno successo perché capitanati da un leader carismatico come Chri Boldenthal, una voce potente del metal (una vera voce metal!) e una forza della natura dal vivo.
Bravi, bravi, e ancora bravi!

Tracklist:

1. Tears Of Madness
2. Shadowmaker
3. The Grave Dancer
4. Demon's Day
5. Warchild
6. Heart Of Darkness
7. Hate
8. Circle Of Witches
9. Black Death

Line-up

Chris Boltendahl - Vocals
Uwe Lulis - Guitar
Frank Ullrich - Drums
Tomi Göttlich - Bass

Altre recensioni dei Grave Digger:

"The Clans Will Rise Again" (2011)
"Ballads Of A Hangman" (2009)

Alice Cooper - "Welcome 2 My Nightmare"

2011-12-05T11:53:00.000-08:00

Titolo: "Welcome 2 My Nightmare"
Autore: Alice Cooper
Genere: Rock
Anno: 2011
Etichetta: Bigger Picture
Voto: 7
Sito internet: www.alicecooper.com

Alice Cooper è uno tra i pochi artisti che meglio è riuscito a sopravvivere ai trend che l’ambiente musicale ciclicamente impone. Attivo dalla metà degli anni Sessanta, ha vissuto in pieno l’esplosione del rock e l’invasione del metal, si è distinto nel periodo glam con album miliardari come “Trash” e “Hey Stoopid”, ha schivato il grunge con il bellissimo “The Last Temptation” e infine ha superato incolume il periodo del new metal irrobustendo il sound in ottimi dischi come “Brutal Planet” e “Dragontown”.
Gli ultimi lavori sono stilisticamente contrassegnati da un ritorno al rock delle origini, e sulle stesse coordinate si muove il nuovissimo “Welcome 2 My Nightmare”, seguito del concept “Welcome To My Nightmare” del 1976, capolavoro assoluto di Alice Cooper.
Se la prima domanda che vi viene in mente è “ma questo disco regge il paragone con il predecessore?”, la risposta è no. Non c’è niente da fare: è impossibile dopo anni (in questo caso parliamo di 35 anni) riuscire a ricreare un’atmosfera, uno stato d’animo o un’alchimia tra persone unite si musicalmente, ma profondamente cambiate a livello personale.
L’Alice Cooper del 2011 è una persona equilibrata che ormai ha chiuso con l’alcol e gli eccessi, ne consegue che nel nuovo disco poco si avverte di quell’atmosfera inquietante e claustrofobica che permeava brani oscuri come “Welcome To My Nightmare” o “Black Widow”; o della follia di pezzi disperati come “Years Ago” e “Steven”.
Solo superando lo scoglio del “paragone” si riesce ad apprezzare il disco per quello che veramente è: un concentrato di sano rock’n’roll molto debitore ai Rolling Stones dei tempi d’oro.
Il disco si apre con un lento, “I Am Made Of You”, che riprende il tema di “Steven”, rappresentando, di fatto, il brano migliore (non a caso alla chitarra c’è il virtuoso Tommy Denander). Poi però si parte in tromba con pezzi semplici ma energici come “Caffeine”, “I’ll Bite Your Face Off” (primo singolo/video estratto), “Runaway Train”, “The Congregation” e la divertente “Ghousl Gone Wild”.
Nel viaggio attraverso l’incubo ci si imbatte anche in brani insoliti e originali come “Last Man On Earth” (in stile charleston) e “Disco Bloodbath Boogie Fever” (un pezzo di disco music) che creano quell’effetto di teatralità che caratterizzava il primo capitolo.
Sul finale c’è spazio anche per una ballad, “Something To Remember By”, che come sempre non tradisce le aspettative dei fans ormai abituati ai lentoni di Alice.
La chiusura spetta invece a “The Underture”, brano strumentale e sorta di medley con i temi principali di “Welcome To My Nightmare 1 e 2”.
Da encomio come sempre la prestazione vocale di Alice, che non risente per niente del tempo. Più ordinaria invece la prestazione dei numerosi ospiti che hanno collaborato al disco, tra cui vale la pena citare Michael Bruce, Dennis Dunaway, Neil Smith e Steve Hunter, compagni di Alice agli inizi della carriera.
L’impressione generale è che forse si poteva fare di più, trattandosi del seguito di un disco molto importante per la carriera di Alice Cooper e la storia del rock in generale. D’altra parte cosa si può ancora chiedere a un’artista che in oltre 45 anni di carriera ha dato anima e corpo per la causa del rock’n’ roll?
Godiamoci il disco, togliamoci il cappello e ringraziamo ancora una volta lo zio Alice.

Tracklist:

1. I Am Made of You
2. Caffeine
3. The Nightmare Returns
4. A Runaway Train
5. Last Man on Earth
6. The Congregation
7. I'll Bite Your Face Off
8. Disco Bloodbath Boogie Fever
9. Ghouls Gone Wild
10. Something to Remember Me By
11. When Hell Comes Home
12. What Baby Wants (feat. Ke$ha)
13. I Gotta Get Outta Here
14. The Underture

Lineup

Alice Cooper - voce

Ospiti:

Ke$ha (Voce ospite su "What Baby Wants")
Rob Zombie (Cori su "The Congregation")
Kip Winger (Cori su "Ghouls Gone Wild" e "The Congregation")
Vicki Hampton (Cori)
Wendy Moten (Cori)
Steve Hunter (Chitarra su "Something to Remember Me By", "When Hell Comes Home" e "What Baby Wants")
Keith Nelson (Chitarre, cori su "Caffeine")
Pat Buchanan (Chitarre)
Michael Bruce (Chitarre, tastiere, cori su "A Runaway Train", "I'll Bite Your Face Off" e "When Hell Comes Home")
Tommy Denander (Chitarre su "I Am Made of You")
Vince Gill (Chitarra solista su "A Runaway Train" e "Gotta Get Outta Here")
Patterson Hood (Chitarra su "Gotta Get Outta Here")
Damon Johnson (Chitarra su "We Gotta Get Out of This Place")
Keri Kelli (Chitarra su "We Gotta Get Out of This Place")
John 5 (Chitarra su "Disco Bloodbath Boogie Fever")
Dick Wagner (Co-songwriter e chitarra solista su "The Underture")
Chuck Garric (Basso)
Dennis Dunaway (Basso, cori su "A Runaway Train", "I'll Bite Your Face Off" e "When Hell Comes Home")
Jimmie Lee Sloas (Basso)
Piggy D (Co-songwriter e basso su "Last Man on Earth")
Neal Smith (Batteria, percussioni, cori su "A Runaway Train", "I'll Bite Your Face Off" e "When Hell Comes Home")
Scott Williamson (Batteria)
Jimmy DeGrasso (Batteria su "We Gotta Get Out of This Place")
David Spreng (Co-songwriter e batteria su "Last Man On Earth")
Desmond Child (Co-songwriter)
Jeremy Rubolino (Co-songwriter)

Iron Savior - "The Landing"

2011-11-29T10:03:00.000-08:00

Titolo: "The Landing"
Autore: Iron Savior
Genere: Power Metal
Anno: 2011
Etichetta: AFM Records
Voto: 7
Sito internet: www.iron-savior.com

Piet Sielck è un“geniaccio”. Nel giro di pochi anni si è costruito con gli Iron Savior una carriera di tutto rispetto, cavalcando inizialmente la rinascita del power nella seconda metà degli anni Novanta, riscuotendo successivamente un discreto successo grazie a ottimi dischi che li hanno consacrati al grande pubblico.
Purtroppo l’ultimo “Megatropolis” (2007) aveva lasciato in fans con l’amaro in bocca: un disco scialbo e spompato seguito da un lungo periodo di silenzio, durante il quale non sono più circolate notizie circa i progetti della band.
Poi di colpo a Settembre l’annuncio di un nuovo album, dopo meno di un mese il primo video su youtube e a fine novembre ecco “The Landing”, disco che rilancia alla grande gli Iron Savior, suonando tremendamente true metal ma sprigionando allo stesso tempo un tiro e una carica che da tempo non si sentivano.
La ricetta ormai la conosciamo, tuttavia i brani sono ispirati, carichi e potenti, pertanto è un grande piacere poter spingere l’acceleratore sulle note dell’opener “The Savior” o cantare a squarciagola “Starlight” (sulla quale aleggia lo spirito di Kai Hansen).
A metà strada troviamo “Heavy Metal Never Dies”, tributo di Sielck e soci al popolo dei metallari: un mid tempo massiccio tanto semplice quando tirato che dal vivo scatenerà un headbanging forsennato (forse il testo è un po’ pacchiano, ricorda un pò “To The Metal” dei Gamma Ray).
Sulla stessa onda emozionale si sfuna “R.U.Ready” (più hardrockeggiante), in cui la band ribadisce – qualore ce ne fosse bisogno – i dogmi del vero rocker citando titoli dei Grandi del passato tra cui Steppenwolf, Saxon e Judas Priest (da notare la somiglianza, credo/spero voluta, dell'assolo con il riff di "Breaking The Law").

Il trittico finale è costituito dalla veloce “Faster Than All”, la ballad “Before The Pain” e la conclusiva “No Guts, No Glory”, dove un hard rock festaiolo fa capolino per un brano divertente da cantare a tutta birra.
Da segnalare nell'edizione speciale due tracce bonus: "Coming Home" e "Atlantis Falling", riarrangiate per l'occasione, ma a mio avviso sono meglio le versioni originali.
Con “The Landing” gli Iron Savior hanno messo i puntini sulle i, scrivendo non il loro disco migliore forse, ma di sicuro il più sincero, convinto, e suonato con passione.
Così è, se vi pare.

Tracklist:

01. Descending
02. The Savior
03. Starlight
04. March Of Doom
05. Heavy Metal Never Dies
06. Moment In Time
07. Hall Of The Heroes
08. R. U. Ready
09. Faster Than All
10. Before The Pain
11. No Guts No Glory

12. Coming Home 2011 (Digipack Bonus Track)
13. Atlantis Falling (Digipack Bonus Track)

Lineup

Joachim "Piesel" Küstner- chitarra
Jan S. Eckert- basso
Piet Sielck - voce, chitarra
Thomas Nack - batteria

Yes - "Fly From Here"

2011-11-23T11:13:00.000-08:00

Titolo: "Fly From Here"
Autore: Yes
Genere: Progressive Rock
Anno: 2011
Etichetta: Frontiers Records
Voto: 7,5
Sito internet: www.yesworld.com

E’ proprio vero che “gallina vecchia fa buon brodo".
Dopo oltre 40 anni di onorata carriera, lo storico gruppo progressive Yes ritorna sulle scene con “Fly From Here”, disco bellissimo che ribadisce, qualora ce ne fosse bisogno, l’altissimo livello della musica da sempre proposta dagli Yes.
Della formazione originale rimane solo il bassista Chris Squire, ma ritroviamo comunque con piacere il grande Steve Howe alla chitarra, Alan White alla batteria, David Benoit dietro il microfono (Jon Anderson ha lasciato il gruppo nel 2008 per problemi di salute) più Oliver Wakeman e Trevor Horn, questi ultimi in qualità di ospiti.
Fin dalle prime note dell’”Overture” (che fa da intro alla suite “Fly From Here”) si viene rapiti da tipiche sonorità seventies che proprio gli Yes (insieme a grandi bands come Genesis, Emerson Lake & Palmer) hanno contribuito a creare.
Certo siamo un po’ lontani dalle composizioni pompose e intricate del passato, i brani sono piuttosto accessibili, tuttavia si rimane affascinati dall’alta qualità di ogni singolo brano. Gli arrangiamenti sono molto curati, i suoni nitidi, perfetti, specialmente per quanto riguarda la chitarra di Steve Howe, che regala arpeggi d’atmosfera ed assoli di classe di grande intensità, come in “Sad Night At The Airfield” (la terza parte della suite), uno dei pezzi migliori. Come ornamento, delicati tappeti di tastiere su cui si staglia la voce pacata di Benoit, per un risultato davvero ottimo
Il disco scorre via senza intoppi con piacere (da segnalare il simpatico brano strumentale per sola chitarra “Solitaire”) trasportando l’ascoltatore in un’oasi di pace e infondendo davvero la voglia di volare.

Tracklist:

1) Fly From Here
        I)Overture
        II)We Can Fly
        III)Sad Night At The Airfield
        IV)Madman At The Screens
        V)Bumpy Ride
        VI)Reprise
2) The Man You Always Wanted Me To Be
3) Life On A Film Set
4) Hour of Need
5) Solitaire
6) Into the Storm

Lineup

Benoît David: voce
Steve Howe: chitarra
Chris Squire: basso, voce
Alan White: batteria, percussioni
Geoff Downes: tastiera

Musicisti aggiuntivi

Oliver Wakeman – tastiera in We Can Fly, We Can Fly (reprise) e Hour of Need
Trevor Horn – voce, tastiera
Luís Jardim – percussioni
Gerard Johnson – pianoforte in The Man You Always Wanted Me To Be'

Dream Theater - "A Dramatic Turn Of Events"

2011-11-19T16:55:00.000-08:00

Titolo: "A Dramatic Turn Of Events"
Autore: Dream Theater
Genere: Progressive Metal
Anno: 2011
Etichetta: Roadrunner Records
Voto: 6,5
Sito internet: www.dreamtheater.net

Il ritorno dei Dream Theater con il nuovo batterista Mike Mangini è di sicuro uno degli eventi più chiacchierati (e drammatici, parafrasando il titolo del disco) di questo 2011.

La perdita di Mike Portnoy, membro fondatore che per oltre vent’anni ha dato anima e corpo alla sua creatura, ha suscitato paura e curiosità nei fan e negli addetti ai lavori che per mesi hanno seguito su internet le vicende interne della band, soprattutto quelle riguardanti le audizioni per la scelta del nuovo batterista.

Alla fine, tra dichiarazioni varie, pentimenti (!?!) e "toto candidati", la scelta è caduta su Mike Mangini (come da rumors che da diverso tempo circolavano in rete), talentuoso drummer che vanta collaborazioni con Steve Vai, Annilhator, Extreme, e altri.

Sostituire Portnoy era un’impresa praticamente impossibile, e in effetti l’impressione che si ha ascoltando il nuovo “A Dramatic Turn Of Events” è che Mike Mangini non sia riuscito nel compito di “degno successore”. Ma andiamo per ordine.

Innanzitutto c’è da dire che musicalmente questo disco si allinea perfettamente alle uscite più recenti dei Dream Theater, meno metal e, purtroppo, anche sempre meno progressive.

Se il precedente “Black Clouds & Silver Lightnings” brillava per l’eccellente qualità dei brani (nonostante la carenza di parti sperimentali o prettamente progressive), quest’ultimo lavoro denota una carenza compositiva a livello generale. Ciò significa che se il disco non convince non è colpa del Nuovo Arrivato, bensì della band nell'insieme.

Le parti di chitarra sono piuttosto lineari e stantie (era da “Train Of Thouhgts” che non sentivo un Petrucci così poco ispirato); Rudess farebbe prima a comprare un pianoforte a coda visto l’uso massiccio di parti da pianista classico piuttosto che da tastierista prog; mentre la prestazione di Labrie passa praticamente inosservata, non essendoci passaggi degni di nota. Anzi, c’è un ripetuto uso del cantato “sussurrato/respirato” che mal si sposa con melodie semplici e stra-sentite, specialmente nelle ballads.

Di Myung al basso non c’è molto da dire, mentre Mangini svolge il suo lavoro con precisione senza eccedere in particolari virtuosismi.

Questa “stanchezza compositiva” la si avverte fin dall’iniziale “On The Back Of Angels” (primo singolo estratto), su “Lost Not Forgotten” (uno dei brani peggiori, in cui i Dream Theater si sforzano a suonare prog eseguendo virtuosismi tanto per fare, ottenendo appunto un brano sforzato) o nelle ballads “Far From Heaven” e “Beneath The Surface”.

Per fortuna ci sono anche momenti positivi come “Bridges In The Sky”, “Outcry” e “Breaking All Illusions” (quest’ultima davvero bellissima, senza dubbio la migliore del lotto, la cui struttura mi ricorda in alcuni punti quella di “Learning To Live”) in cui i nostri tirano fuori le palle e dimostrano di saper ancora creare brani ispirati come ai vecchi tempi.

Purtroppo tre brani non bastano a risollevare le sorti di un disco dal quale, comunque, era oggettivamente difficile aspettarsi un capolavoro.

E mentre si cerca di dare fiducia a una band che ha subito una “drammatica svolta negli eventi”, Mike Portnoy piange a destra e a sinistra dichiarando di quando sia infelice senza i Dream Theater…mah, noi non possiamo fare altro che goderci il prossimo tour e sperare nel prossimo album.

Tracklist

1. On the Backs of Angels - 8:46

2.Build Me Up, Break Me Down - 6:59

3.Lost Not Forgotten - 10:11

4.This Is the Life - 6:57

5.Bridges in the Sky (*) - 11:01

6.Outcry - 11:24

7.Far from Heaven - 3:56

8.Breaking All Illusions - 12:25

9.Beneath the Surface - 5:26

Lineup

James Labrie - voce

John Petrucci - chitarra

Jordan Rudess - tastiere

John Myung - basso

Mike Mangini - batteria

Derek Sherinian - "Inertia"

2011-11-17T11:46:00.000-08:00

Titolo: "Inertia"
Autore: Derek Sherinian
Genere: Keyboard hero/progressive
Anno: 2001
Etichetta: InsideOut Music
Voto: 7,5
Sito internet: www.dereksherinian.com

Dopo la dipartita dai Dream Theater Derek Sherinian non si è certo perso d’animo, anzi, si è rimboccato le maniche inaugurando una carriera solista di tutto rispetto (ad oggi sono le uscite a suo nome, quattro relative al progetto Planet X, più una marea di collaborazioni con musicisti del mondo rock/prog) che ha definitivamente cancellato l’astio e le critiche che fan e stampa gli avevano spesso dimostrato durante la permanenza nei Dream Theater.

“Inertia” è il secondo disco solista di Derek, pubblicato nel 2001 a distanza di due anni dal primo Planet X.

I “collaboratori” non hanno certo bisogno di presentazioni: alla chitarra troviamo Zakk Wylde e Steve Lukather, alla batteria Simon Phillips, al basso Tom Kennedy, Tony Franklin e Jimmi Johnson.

Fin dal primo ascolto il disco appare fresco e vario: si passa da brani duri come “Frankesnstein” o “Evel Kneivel” ad altri più pacati e da atmosfera come “Mata Ari” (che non sfigurerebbe per niente in una compilation di Café del Mar), fino a brani più tecnici e prettamente prog come “Astroglide” e “What A Shame”. Da sottolineare comunque come tecnica e melodia vengano sapientemente miscelati senza mai prevalere l’uno sull’altro. Di fatto mancano brani puramente tecnici (un pregio, a mio avviso) e ne consegue una facile assimilabilità già dopo un paio di ascolti e una generale atmosfera di “calore”. Altro punto a favore è la durata dei brani, mai oltre i sette minuti di durata (tutto il contrario di alcuni guitar/keyboard hero, come ad esempio il collega Jordan Rudess, che puntano troppo sulla mera esecuzione tecnica di brani di oltre dieci minuti, rinunciando di fatto al feeling).

La varietà dei generi proposti mette in mostra le doti di Derek, abile nel “maneggiare” suoni e strutture moderne che si amalgamano alla perfezione a sequenze più classiche. Troviamo dunque begli assoli, veloci e sperimentali, ma anche morbidi tappeti musicali e momenti soffusi e accennati tipici dai sapori jazz, funky e ambient.

In definitiva un gran bel disco, un grande artista, una grande conferma!

Tracklist:

Inertia

Frankenstein

Mata Hari

Evel Kneivel

La Pera Loca

Goodbye Porkpie Hat

Astroglide

What a Shame

Rhapsody Intro

Rhapsody in Black

Lineup

Derek Sherinian - tastiere

Zakk Wylde - chitarra

Steve Lukather - chitarra

Simon Phillips - batteria

Tony Franklin - basso

Tom Kennedy - basso

Jimmy Johnson - basso

Athena - "A New Religion?"

2011-07-21T08:06:00.000-07:00

Titolo: A New Religion?
Autore: Athena
Genere: Progressive Metal
Anno: 1998
Etichetta: Rising Sun Productions
Voto: 8

“A New Religion” degli Athena è indiscutibilmente un capolavoro assoluto della storia del progressive metal italiano. La bellezza di questo disco è data non solo dall’alta qualità della musica proposta, ma anche dal fatto di essere stato una meteora che con il passare del tempo ha acquisito quel dolce sapore del pezzo raro da collezione.

Ma partiamo dall’inizio. Gli Athena si formano nei primi anni Novanta pubblicando il primo album, “Inside The Moon”, che viene accolto piuttosto timidamente dalla critica.

Per il disco successivo c’è un cambio di formazione e viene reclutato Fabio Lione, allora già conosciuto per la sua militanza nei Labyrinth e nei Rhapsody.

…ed esce il disco con il botto!

“A New Religion” infatti è un disco stupendo in cui classe, tecnica, melodia e potenza vengono magistralmente miscelati per un risultato davvero spettacolare.

La prestazione dei singoli membri è davvero impeccabile, e tra tutti spicca per tecnica e versatilità proprio quella di Fabio Lione, che ancora oggi, a mio giudizio, rimane la sua performance migliore in assoluto di tutta la sua carriera discografica. In questo disco infatti come in nessun altro Fabio è completamente libero di esprimersi a proprio piacimento. Si passa da un timbro prettamente classico e power oriented (come in “A New Religion?” e “Soul Sailor”) a momenti più aggressivi (“Dead Man Walkin”, Twisted Feel), fino a brani più leggeri in cui Fabio si mantiene su tonalità medio basse dimostrando di essere davvero un grande cantante (“My Silence”, “Not Too Far”).

Le chitarre di Daniele Guidi descrivono riff tecnici per architetture moderatamente complesse; il drumming è tecnico, fantasioso e dinamico, mentre le tastiere di Gabriele Guidi rappresentano l’altra punta di diamante di questo cd, con suoni che creano atmosfere oniriche in grado di trasportare l’ascoltatore in altri mondi…

“A New Religion?” mi ha spesso ricordato “Awake” dei Dream Theater, da un lato per brani d’atmosfera come “Lifting Shadows Off A Dream” e “Space Dye West”, permeati da quell’aurea “space metal” affascinante e coinvolgente che qui troviamo in “My Silence”, “The Keeper”, “My Secret Vision” e in “Every Word I Whisper”, brano particolare quest'ultimo, in cui le tastiere descrivono uno scenario apocalittico da brivido; dall’altro per l’aggressività di certe composizioni.

A completare il quadro perfetto della situazione ci pensa l’ottima produzione, con l’impiego di suoni puliti e moderni e una cura maniacale nella costruzione della musica.

Non un brano di basso livello, non un assolo messo li tanto per riempire, non un ritornello sbagliato: insomma, un disco veramente perfetto sotto ogni aspetto (artwork incluso).

Si parlava inzialmente di meteora, e si perché dopo “A New Religion?” gli Athena, orfani ormai del buon Fabio, pubblicheranno l'ultimo cd della loro breve carriera, “Twilight Of Days”, un disco di canonico power metal che li lancerà per sempre nel dimenticatoio, fino allo scioglimento da li a poco dopo.

Un pezzo raro da avere assolutamente.

Tracklist:

01. In the Beginning

02. A New Religion?

03. Soul Sailor

04. Apocalypse

05. Every Word I Whisper

06. Dead Man Walkin'

07. My Silence

08. Secret Vision

09. The Keeper

10. Twisted Feel

11. Not Too Far

Lineup

Fabio Lione - voce

Simone Pellegrini - chitarra

Alessio Sabella - basso

Matteo Amoroso - batteria

Gabriele Guidi - tastiera

Capricorn - "Inferno"

2011-07-14T02:11:00.000-07:00

Titolo: Inferno
Autore: Capricorn
Genere: Power Metal
Anno: 1995
Etichetta: Modern Music
Voto: 7

I quasi 40 gradi di questa giornata incandescente sono l’occasione perfetta per recensire un disco bollente come “Inferno”, dei teutonici Capricorn.
A partire dal titolo e soprattutto dalla copertina, raffigurante la minacciosa testa di un capricorno formata e completamente avvolta dalle fiamme, questo disco, per la potenza e la ruvidezza dei suoni, crea un’impressionante sensazione di caldo soffocante.
Venni a conoscenza di questo gruppo nell’ormai lontano 1996 (il disco è datato 1995), grazie a un mio caro amico che acquistò il disco incuriosito dal fatto che il batterista era Stefan Arnold, già militante nei Grave Digger, gruppo che all’epoca seguivamo molto, in quanto freschi di bellissimi album come “Heart Of Darkness” e “Tunes Of War”.
La storia del gruppo è relativamente breve: i Capricorn nascono come trio (composto da Adrian Hahn alla voce e basso, David Hoffmann alle chitarre e Stefan Arnold alla batteria) verso i primi anni Novanta e si sciolgono nel giro di breve tempo dopo la pubblicazione di soli due album. “Inferno” è il secondo, a detta di tutti il migliore (anche se confesso di non aver ascoltato il primo).
Il genere proposto è un power/trash metal influenzato dal filone power melodico che imperversava in quegli anni, ma caratterizzato anche da una certa “rozzezza” tipicamente rock’n’roll alla Mothorhead che dona ai brani quel tiro che tanto basta a scatenare il pogo.
I brani di per se sono piuttosto semplici e lineari, la parte solistica è poco curata, tuttavia i suoni sono potenti, ruvidi e sporchi; i riff spaccano le ossa e il risultato è un dischetto dotato di un’energia che mette la carica ad ogni brano.
Per dirla in breve: "Inferno" è il classico disco sempliciotto e diretto ma tirato quanto basta per imprimerselo in testa e ascoltarlo a ripetizione nei momenti in cui si vuole ascoltare qualcosa di tosto per scatenarsi!
Accanto a brani power oriented come l’iniziale “Claws Of The Mad”, “Iron Biter” e “Gun For Hire”, troviamo brani di impostazione più hard rock come “The Wire Fence” e “Dead Can Walk”, due macigni di fronte ai quale è impossibile non mettersi a saltare e a cantare a squarciagola i ritornelli.
C’è anche spazio per brani più riflessivi in cui si tira un po’ il fiato, come l’ottima “Moonstruck” e la title track “Inferno”.
Da segnalare infine un potentissima versione del classico dei Twisted Sister “You Can’t Stop Rock’n’Roll”, davvero terremotante, soprattutto nel ritornello.
Insomma, i Capricorn sono uno dei quei tanti gruppi meteora che nel loro breve passaggio hanno lasciato un piccolo ma indelebile segno nel cuore dei metallari.

Tracklist:

1) Iced Age
2) Claws of the Mad
3) The Wire Fence
4) Dead Can Walk
5) Moonstruck
6) Iron Biter
7) Gun for hire
8) A Call for Defiance
9) You can't stop R' n' R'
10) Camp Blood
11) Inferno

Lineup

Adrian Hahn - voce, basso
David Hoffmann - chitarra
Stefan Arnold - batteria

2011-07-01T05:41:00.000-07:00

Titolo: From Chaos To Eternity
Autore: Rhapsody Of Fire
Genere: Symphonic Metal
Anno: 2011
Etichetta: Nuclear Blast
Voto: 7,5
Sito internet: www.rhapsodyoffire.com

La furia creativa di Turilli e soci è inarrestabile: “From Chaos To Eternity” è il terzo disco nell’arco di poco più di un anno, un nuovo gioiello che magnificamente si incastona nella preziosa discografia del combo triestino.

Nel corso degli anni i Rhapsody Of Fire si sono meritatamente costruiti la reputazione di “gruppo di nicchia” (attirando inevitabilmente l'antipatia di una certa schiera di fan e addetti ai lavori), diventando un solido marchio di qualità a garanzia di ogni uscita discografica.

Per cominciare, vorrei sottolineare come questo disco rivesta una certa importanza storica, sancendo infatti la fine della “Dark Secret Sagra” e un lungo capitolo della vita e della musica dei Rhapsody, iniziato quattordici anni fa con il clamoroso “Legendary Tales”. Dalle interviste promozionali apparse sulle webzine specializzate, Luca Turilli ha già annunciato grandi novità a partire dal prossimo autunno, anche se ovviamente non è ci è ancora dato sapere che cosa dobbiamo aspettarci. Chissà quale direzione prenderanno i Rhapsody ora. Certo farebbe strano un nuovo disco lontano dalle tematiche fantasy che tanto ci hanno appassionato in questi anni…staremo a vedere.

Venendo all’aspetto musicale invece, si avverte subito come il nuovo disco è linea con “The Frozen Tears Of Angels”, rappresentandone anzi la perfetta continuazione. Anche in questo caso infatti la componente metal predomina su quella sinfonico-orchestrale (comunque ampiamente presente), e gran parte del lavoro si basa sulla chitarra di Turilli che sciorina assoli velocissimi senza tregua e potenti riff. A mio avviso però l’uso dei barocchismi è spesso estremizzato, creando momenti stucchevoli in cui sembra di ascoltare più che altro degli esercizi di chitarra…ma Luca è fatto così, lui stesso ammette di essere fissato con il metal neoclassico…e allora lasciamolo fare!

Riguardo al resto della band, beh, non c’è che dire, sono tutti in forma come al solito. Alla seconda chitarra troviamo Tom Hess (ufficializzato membro fisso della band), alla batteria Alex Holzwarth è la solita macchina da guerra, al basso Patrick Guers fa sempre la sua figura mentre per Fabio Lione come sempre non c'è nulla da eccepire.

Il disco si apre in modo insolito con un assolo di chitarra elettrica che spiana la strada alla title trak “From Chaos To Eternity”, potente e melodica sulla scia di “Sea Of Fate”.

Nella successiva “Tempesta Di Fuoco” il neoclassicismo raggiunge l’apoteosi, essendo il brano costruito su assoli e scale di musica classica, ma forse tra tutte è la canzone che meno “morde”.

La successiva “Ghosts Of Forgotten Worlds” invece è la prima perla del disco: tiratissima, alterna potenti riff “priestiani”, assoli veloci e ritmiche speed metal contornate da un bel lavoro alle tastiere, specialmente nella parte centrale. Davvero un gran pezzo, tra i più veloci dei Rhapsody.

Segue “Anima Perduta”, il lento della situazione, un po’ scontato e deboluccio, ma ormai si sa, quel lontano “Lamento Eroico” ha commosso un’intera generazione di giovani metallari, e quindi il lentone epico cantato all’Albano ci vuole…(anche se il miglior lento in assoluto dei Rhapsody rimane “Son Of Pain”).

La tregua viene subito interrotta dall’esplosione di “Aeons Of Raging Darkness”, la seconda perla del disco. Il brano è sulla falsa riga di “Reign Of Terror”, potente e oscuro, con uno strepitoso Fabio che si cimenta nello screaming simil black metal. Un brano bellissimo dove le tastiere di Staropoli creano un’atmosfera battagliera dalla carica sorprendente.

La successiva “I Belong To The Stars” è il brano più orecchiabile del disco, un mid tempo melodico dal ritornello semplice ma molto epico e moto bello.

Chiudono la veloce “Tornado” e l’immancabile suite conclusiva da 20 minuti circa, “Heroes Of The Waterfall’s Kingdom”, il solito concentrato di tecnica, potenza, epicità e teatralità, magistralmente arrangiati dai nostri eroi.

Alla fine del viaggio, l’impressione che questo disco sia lievemente inferiore al precedente tenta di insinuarsi malignamente nei cunicoli più nascosti dei timpani. Ma in fondo non è altro che la smania di voler trovare a tutti costi il pelo nell’uovo. O forse è solo l’alta qualità della musica a cui la band ci ha abituato che ci porta a chiedere a questi grandi musicisti sempre di più.

Il mio giudizio finale? Un disco magnifico.

Tracklist:

1. Ad Infinitum (intro) 01:30

2. From Chaos to Eternity 05:45

3. Tempesta Di Fuoco 04:48

4. Ghosts of Forgotten Worlds 05:35

5. Anima Perduta 04:46

6. Aeons of Raging Darkness 05:46

7. I Belong to the Stars 04:55

8. Tornado 04:57

9. Heroes of the Waterfalls' Kingdom 19:32

Lineup

Fabio Lione - voce

Luca Turilli - chitarra

Alessandro Staropoli - tastiere

Patrice Guers - basso

Alex Holzwarth - batteria

Tom Hess - chitarra

Dark Horizon - "Dark Light's Shades"

2011-06-27T14:13:00.000-07:00

Titolo: Dark Light's Shades
Autore: Dark Horizon
Genere: AOR
Anno: 2004
Etichetta: Underground Symphony Records
Voto: 7
Sito internet: http://www.darkhorizon.eu/

Esaltato dal bellissimo “Angel Secret Masquerade” che mi sono gustato nel freddo inverno 2010 (e recensito su queste pagine poco tempo fa), ho deciso di acquistare il precedente lavoro dei Dark Horizon, tale “Dark Light's Shades”, che quando uscì nel 2004 (sempre per la Underground Symphony”) fu ben accolto dalla stampa di settore.

E a ben ragione devo dire, perché anche questo cd è un concentrato di bella musica.

Percorrendo la carriera di un gruppo a ritroso, a volte è inevitabile giudicare il disco precedente “leggermente inferiore” rispetto al successivo, in questo caso per il semplice e unico motivo che “Angel Secret Masquerade” è il completamento di un percorso musicale, il raggiungimento della perfezione stilistica e dunque la realizzazione di un piccolo capolavoro.

Questo cd infatti presenta tutte le caratteristiche tipiche della musica proposta dei piacentini: vasta conoscenza musicale, potenza, melodia, impegno e passione spinti ad alti livelli.

Le melodie risultano subito vincenti, i brani sono facilmente assimilabili e forse l’unica pecca è l’eccessiva ripetitività dei ritornelli (ad esempio in “Painted In Blood” e “Victims Of Changes”).

A metà cd arriva la bellissima ”Dragon’s Rising”, un concentrato di prog/rock, melodia e assoli sempre ispirati e mai inseriti a caso.

Con la successiva “The Spell You’re Under, Hannibal The Carthaginian” ci si addentra in territori più power, mentre “The Oath” è un ottimo brano prog con atmosfere più epiche.

“The Glory” e “The Weeping” mostrano il lato più ruvido dei Dark Horizon, anche se all’interno dei brani ci sono inserti strumentali che smorzano la tensione e creano momenti d’atmosfera molto belli e interessanti. Sono forse i migliori passaggi in cui i singoli musicisti esprimono al massimo la propria vena creativa.

La chiusura è affidata a “Flying In The Wind”, una bellissima ballad per violino e chitarra acustica che ha come unica colpa l'assomigliare troppo a “Forever” degli Stratovarius.

In sostanza dunque un bel disco, con dei brani che mancano però di di quella marcia in più che sarà ingranata nel disco successivo e che permetterà di gridare al capolavoro.

Tracklist:

1) 1793

2) Painted In Blood

3) Victim Of Changes

4) Master Of The Bright Sea

5) Dragon’s Rising

6) The Spell You’re Under Hannibal, The Carthaginian

7) The Oath

8) The Glory

9) The Weeping

10) Flying In The Wind

Lineup

ROBERTO QUASSOLO: Vocals

DANIELE MANDELLI: Electric and Acoustic Guitars

ALESSANDRO BATTINI: Piano, Keyboards and Backing Vocals

DAVIDE MARINO: Bass and Backing Vocals

LUCA CAPELLI: Drums and Backing Vocals

No Gravity - "Worlds In Collision"

2011-06-12T08:37:00.000-07:00

Titolo: Worlds In Collision
Autore: No Gravity
Genere: Progressive Metal
Anno: 2011
Etichetta: Lion Music/Frontiers
Voto: 7,5
Sito internet: www.simonefiorletta.it

Adoro quei progetti musicali prog/metal tanto in voga nell’ultimo decennio che nascono dalla collaborazione di grandi musicisti provenienti da varie bands, specialmente perchè il più delle volte i risultati sono nettamente superiori alle uscite delle bands di cui i singoli musicisti fanno parte. Forse staccare la spina dai propri impegni per concentrarsi su attività differenti giova alla creatività degli artisti…chi lo sa…

Ad ogni modo, tra i progetti migliori che mi è capitato di ascoltare negli ultimi anni cito sicuramente il secondo disco dei Liquid Tension Experiment, "Age Of Impact" del progetto Explorer’s Club, il primo episodio dei Transatlantic e "The Absolute Man" del progetto Leonardo, usciti quasi tutti verso la fine degli anni ’90.

Questa volta tocca all’Italia (finalmente!) ad essere protagonista, con il progetto No Gravity messo in piedi dal nostranissimo Daniele Fiorletta, talentuoso chitarrista e compositore che ha all’attivo diversi lavori solisti.

Per l’occasione sono stati reclutati importanti musicisti della scena prog metal italiana e internazionale: Davide Perruzza alle chitarre, Andrea De Paoli (Labyrinth) alle tastiere, Andrea Casali al basso e Marco Aiello alla batteria.

Dietro il microfono troviamo invece Michele Luppi (Los Angeles), Andy Kuntz (Vanden Plas), Emiliano Germani (Moonlight Comedy), Fabio Lione (Rhapsody of Fire), Mark Basile (DGM) e Roberto Tiranti (Labyrinth).

Musicalmente "Worlds In Collision" propone un progressive metal piuttosto canonico, tuttavia molto bello e curato sia nella scelta dei suoni che negli arrangiamenti. Inutile cercare a tutti i costi le influenze varie, ormai si sa che certi gruppi hanno fatto scuola e altri ne hanno ereditato gli insegnamenti. L’importante è non cadere nella citazione o nello “scopiazzamento”. Quello che conta insomma è la qualità della musica, che in questo caso tocca livelli davvero eccellenti.

La produzione è ottima e, come accennato poco sopra, i suoni sono molto curati. I brani sono tutti di media/lunga durata e moderatamente complessi, nel senso che c’è un attento dosaggio di cambi di tempo, riff intricati, assoli improvvisati e studiati e prestazioni vocali sempre in sintonia con la musica.

Si parte molto bene con la “dreamtheateriana” “Sailing On Sight”; segue “The Killer”, il brano forse meno ispirato del cd, e poi “I Can’t Dream Anymore”, uno tra i pezzi più belli dell’album, in cui tempi intricati si amalgamano alla perfezione con aperture melodiche d’atmosfera davvero affascinanti. Il brano è impreziosito da assoli di chitarri puliti, melodici e molto ispirati; alternati ad assoli di tastiera anch’essi molto belli in cui Andrea De Paoli diventa vero protagonista.

Da segnalare infine, sempre in questo brano, l’interpretazione di Andy Kuntz, bellissima.

Segue “Voices From The Past”, dove Fabio Lione si libera dal lirismo dei Rhapsody Of Fire per un approccio più moderno aggressivo che ricorda molto quello su “A New Religion” degli Athena, una delle sue performance migliori.

La successiva “Religious Beliefs” è la seconda perla del disco: riff ipnotici, distorsioni moderne e ritmi orientali creano un brano davvero eccezionale, potente e melodico allo stesso tempo, dominato dalla voce di Emiliano Germani.

“I’m Bleeding” è una ballad abbastanza sui generis dove ritroviamo con grande piacere un magnifico Michele Luppi, che come al solito si destreggia senza problemi tra parti soft e acuti improvvisi davvero da brivido.

In “Nowadays” è possibile godere di un’altra bellissima prestazione vocale: questa volta è il turno di uno scatenato Roberto Tiranti che da veramente il meglio di se. Sul finale troviamo “Touchin’ My Enemy”, un brano più d’atmosfera, e la conclusiva “Unexpected Gift”: 10 minuti di progressive metal suonato come si deve: tecnico, melodico, variegato, con l’impiego di suoni particolari e ricercati per creare atmosfere oniriche..

Alla fine del cd non si può fare altro che ripremere play e complimentarsi con Fiorletta e soci per lo splendido lavoro svolto.

Bravi davvero.

Tracklist:

01. Sailing On Sight

02. The Killer

03. Can't Dream Anymore

04. Voices From The Past

05. Religious Beliefs

06. I'm Bleeding

07. Nowadays

08. Touchin' My Enemy

09. Unexpected Gift

Lineup

Simone Fiorletta – Acoustic and Electric Guitars

Davide Perruzza – Electric Guitars

Andrea De Paoli – Keyboards

Andrea Casali – Bass

Marco Aiello – Drums

Michele Luppi – Vocals on Track 6

Andy Kuntz – Vocals on Track 3

Emiliano Germani – Vocals on Tracks 1, 5, 8, 9

Fabio Lione – Vocals on Track 4

Dark Horizon - "Angel Secret Masquerade"

2011-06-08T05:32:00.000-07:00

Titolo: Angel Secret Masquerade
Autore: Dark Horizon
Genere: AOR
Anno: 2010
Etichetta: Underground Symphony Records
Voto: 7,5
Sito internet: www.darkhorizon.eu

Classe, eleganza, stile…non ci sono aggettivi migliori per descrivere “Angel Secret Masquerade”, il nuovo bellissimo album dei Dark Horizon.

Attiva dal 1996, questa giovane band piacentina si è imposta subito sul mercato con un hard/aor/heavy di alta qualità, distaccandosi dai canoni dei generi in favore di un approccio di maggior spessore qualitativo attraverso l’uso di barocchismi e soluzioni originali curati nei minimi particolari. E così, dopo l’ottima accoglienza del precedente “Dark Light’s Shades”, spetta al nuovo arrivato il ruolo di “degno successore”, interpretato direi magistralmente.

L’impressione che si ha fin dalle prime note dell’album è quella di trovarsi di fronte a una band matura, composta da musicisti tecnicamente preparati e dal ricco bagaglio musicale, che spazia tra generi anche fuori dal rock.

Tanto per intenderci: i Dark Horizon suonano musica con la M maiuscola, senza perdersi in fronzoli e canzonette, ma neanche esagerando in virtuosismi o divagazioni che spesso rendono i brani poco accessibili. C’è una giusta commistione di tecnica e melodia che garantisce una certa fruibilità.

I suoni sono nitidi e curati, complici anche i lavori presso gli ormai gettonatissimi Finnvox Studio finlandesi; tutto il disco in generale suona fresco e moderno, per un risultato davvero eccellente.

Come marcato all’inizio, è difficile ingabbiare la band in un genere preciso. L’aor di base infatti si tinge qua e la di prog (“Empty Mirrors”, “End Of The Days”), a tratti si indurisce per sfociare nell’hard rock veloce di brani come “Battle Rages On” e “Far Away”, per poi raggiungere alti livelli in brani melodici e ariosi come la ballad “Silently My Life Falls” o la bellissima “The Age Of The Light”, a mio avviso la migliore del lotto.

La prestazione dei singoli musicisti è davvero impeccabile, tuttavia vale la pena segnalare l’ottima prova di Roberto Quassolo, cantante versatile e fortunatamente lontano dalle “sirene” a cui ci siamo assuefatti in questi ultimi anni; e quella di Luca Capelli, batterista estroverso e fantasioso che impreziosisce i brani con virtuosismi mai fini a se stessi.

Con “Angel Secret Masquerade” i Dark Horizon si confermano a pieno titolo come una delle migliori band italiane in campo hard’n’heavy.

Tracklist:

1. Empty Mirror
2. It Takes a Miracle
3. Liar
4. Battle Rages On
5. My Life
6. Silently The Nights Falls
7. Where here The Angels Gone
8. Away
9. The Angel of The Light
10. End of the Days

Lineup

Roberto Quassolo - voce e cori
Daniele Mandelli - chitarra elettrica e acustica
Alessandro Battini - tastiere
Luca Capelli - batteria

Anvil - "Juggernaut Of Justice"

2011-05-29T03:30:00.000-07:00

Titolo: Juggernaut Of Justice
Autore: Anvil
Genere: Heavy Metal
Anno: 2011
Etichetta: The End
Voto: 6,5
Sito internet: www.anvilmetal.com

Juggernaut = unstoppable force.
Questa è la definizione del termine Juggernaut che ho trovato sul mio dizionario di inglese monolingue. E in fondo questo aggettivo ben si addice agli Anvil, band dal passato glorioso che negli anni 2000 ha cercato di fare del proprio meglio per riemergere dal dimenticatoio in cui si era inabissata.
E questa volta direi che ci siamo.
Dopo gli ultimi deludenti album in studio i tre canadesi scrivono con “Juggernaut Of Justice” un disco di puro heavy metal di stampo americano, massiccio e potente, proprio come ci avevano deliziato agli inizi della loro carriera.
Gli anni passano, l’età dell’oro di "Hard’n’Heavy" e "Metal On Metal" è ormai dissolta (i capelli di Lips si sono afflosciati...) ma la passione e la grinta sono sempre le stesse di allora, ingredienti fondamentali per la riuscita di un album destinato a diventare un classico della band.
Si parte subito in pompa magna con la title track, un mid tempo da headbanging che nella sua semplicità risulta di impatto forte e convincente. Il songwriting generale è ispirato, e ogni brano è appetibile. Con “When Hell Breaks Loose” si comincia a fare sul serio; ci si ferma un attimo con la pesante "New Orleans Voo Doo" per poi ripartire in quarta con il rock-metal di "On Fire", "Fuken Eh!" e "Turn It Up".
I brani sono brevi e relativamente semplici, costruiti sulla classica struttura riff-bridge-refrain-assolo, tuttavia denotano una freschezza e una forza molto coinvolgenti che invogliano al riascolto al massimo del volume. Certo qualche brano non è proprio all’altezza della situazione ("Not Afraid", "Running" e la sabbathiana "Paranormal" ad esempio) e la parte solistica lascia un po’ a desiderare, ma l’impatto nel complesso è di quelli che spaccano, pertanto per chi cerca un buon disco di sano heavy metal, "Juggernaut Of Justice" è più che consigliato.
Da segnalare che anche l’artwork è in piena tradizione anvil: pacchiano e raffigurante l’incudine, trademark della band.

Tracklist:

01. Juggernaut Of Justice
02. When Hell Breaks Loose
03. New Orleans Voodoo
04. On Fire
05. Fuckin' Eh
06. Turn It Up
07. The Ride
08. Not Afraid
09. Conspiracy
10. Running
11. Paranormal
12. Swing Thing

Lineup

Lips - Voce, Chitarra
Robb Reiner - Batteria
Glenn Five - Basso

Michael Monroe - "Sensory Overdrive"

2011-05-23T06:01:00.000-07:00

Titolo: Sensory Overdrive
Autore: Michael
Genere: Hard Rock/Sleazy Rock
Anno: 2011
Etichetta: Spinefarm Records
Voto: 7
Sito internet: www.michaelmonroe.com

Costanza è passione. Questi sono gli ingredienti fondamentali che portano alla riuscita di un ottimo disco come “Sensory Overdrive” del biondo Michael Monroe.

Nonostante la sua carriera solista non abbia mai commercialmente decollato, Michael non si è mai arreso, battendosi sempre per la causa del rock collaborando con tanti colleghi del settore e sfornando ottimi album. E l'impegno paga sempre, soprattutto dal punto di vista della qualità. Anche quest'ultimo capitolo infatti è un gran disco di puro e sano rock “stradaiolo”.

Alla soglia dei 50 anni la grinta di Michael è sempre la stessa e le intenzioni sono subito chiare fin dall’opener "Trick Of The Wrist:" rock’n’roll allo stato puro senza tanti fronzoli. Il tutto gronda sudore e passione creando un atmosfera da club newyorkese pieno di fumo e maleodorante, e traccia dopo traccia non si può fare a meno di immedesimarsi in una tipica serata rock.

Le canzoni sono brevi e musicalmente semplici, ma ruvide e cariche quanto basta per graffiare già dopo il primo ascolto. E allora via con "’78", la cadenzata e tirata "Modern Day Miracle" (il classsico hit che dal vivo farà strage), "Later Won’t Wait", e "Center Of Your Heart" (dal break centrale più “riflessivo” in cui Michael sfoggia il suo talento con il sax); questi i brani migliori, se proprio si vuole fare una classifica, ma in fondo…chi se ne frega! Ogni brano ha il suo fascino.

“Sensory Overdrive” è il classico disco che ti rende felice, per l’energia che trasmette ma soprattutto perché testimonia che il rock’n’roll è vivo e vegeto e che in giro c’è ancora gente capace di suonarlo, senza compromessi.

Tracklist:

01. Trick Of The Wrist
02. '78
03. Got Blood?
04. Superpowered Superfly
05. Modern Day Miracle
06. Bombs Away
07. All You Need
08. Later Won't Wait
09. Gone, Baby Gone
10. Center Of Your Heart
11. Debauchery As A Fine Art

Lineup

Michael Monroe - Voce, sax e armonica
Ginger - Chitarra
Steve Conte - Chitarra
Sami Yaffa - Basso
Kalle Rosqvist - Batteria

Leaves' Eyes - "Meredead"

2011-05-19T14:14:00.000-07:00

Titolo: Meredead
Autore: Leaves' Eyes
Genere: Symphonic Metal
Anno: 2011
Etichetta: Napalm Records
Voto: 6
Sito internet: www.leaveseyes.de
Myspace: www.myspace.com/leaveseyespage

I Leave’s Eye sono il risultato della fusione di alcuni membri degli Atrocity e di Liv Kristine, ex cantante dei Theatre Of Tragedy.
La band propone un symphonic metal con elementi gotici e inserti folk, inserendosi in quel filone musicale abbastanza in voga di questi tempi capitanato da Nightwish e Within Temptation.
Quest’ultimo “Meredead” è un concept album sulla figura mitologica delle sirene, e nonostante la struttura apparentemente complessa del disco l’approccio musicale è piuttosto commerciale, a partire dai suoni di chitarra molto morbidi, tant’è che in alcuni frangenti si può parlare di un gothic rock orecchiabile tipo quello degli Him o degli Evanescense.
L’album nel complesso non è male, manca però di mordente e personalità. Nonostante la produzione perfetta e cristallina i brani sono fiacchi, sia dal punto di vista del songwriting che da quello dei suoni, specialmente quelli delle chitarre che in certi punti si riducono al classico suono di “zanzara” che serve più da sottofondo che da struttura portante dei brani. E non bastano la bella voce di Liv Kristine (che nei punti più lirici è pressoché uguale a Tarja Turunen) e le atmosfere sognanti creati dalle tastiere per fare decollare il tutto.
Mancanza di personalità dicevo, perché la musica dei Leave’s Eye si avvicina troppo alle ultime produzioni dei loro colleghi più blasonati, tant’è che in più punti alcuni brani sono simili ad altri (il ritornello di Mine Taror Er Ei Grimme ad esempio si avvicina molto a quello di Kuolema Tekee Taiteilijan dei Nightwish), inoltre gli intermezzi celtici messi a contorno dei brani ricordano inevitabilmente le atmosfere eteree di "Mother Earth" dei Within Temptation.
In definitiva in un album discreto (perché comunque si lascia ascoltare piacevolmente) con delle buone idee, penalizzato per l’eccessiva fruibilità.

Tracklist:

01. Spirits’ Masquerade
02. Étaín
03. Velvet Heart
04. Kråkevisa
05. To France (MIKE OLDFIELD cover)
06. Meredead
07. Sigrlinn
08. Mine Tåror er ei Grimme
09. Empty Horizon
10. Veritas
11. Nystev
12. Tell-Tale Eyes
13. Sorhleod (bonus track)

Lineup

Liv Kristine Espenæs Krull - Vocals
Alexander Krull - Vocals, programming
Torsten Bauer - Guitar, Bass
Sander Van Der Meer - Guitar
Roland Navratil - Drums

Within Temptation - "The Unforgiving"

2011-05-10T09:41:00.000-07:00

Titolo: The Unforgiving
Autore: Within Temptation
Genere: Symphonic/Gothic Metal
Anno: 2011
Etichetta: Roadrunner Records
Voto: 7
Sito internet: www.within-temptation.com

Era inevitabile.
Dopo il successone (tutto meritato) di bellissimi album in studio ("Mother Earth in primis") e due album dal vivo (uno acustico e uno con orchestra, da brivido!), era inevitabile che anche i Within Tempation rimanessero intrappolati nel malefico meccanismo del music businnes che già li aveva “tentati” in "The Heart Of Everything", le cui sonorità strizzavano l’occhio al gothic rock più easy listening di Him o Evanescense.
Con il nuovo "The Unforgiving" i Within Temptation imboccano la strada del concept album, realizzando un prodotto concettualmente lodevole, un po’ più scarso però dal punto di vista prettamente musicale.
Tutto il disco infatti si muove in territori molto commerciali, con una manciata di brani orecchiabili da canticchiare in macchina (magari mentre ci si apparta…) e in certi casi anche da ballare, come ad esempio "Sinead", il brano più “dance” del lotto, per il quale è stato realizzato un video, girato, neanche farlo apposta, in una discoteca.
Il disco nel complesso è carino, perché nonostante la semplicità dei brani non si può non apprezzare canzoni come "Faster", "Shot In The Dark" o la già citata "Sinead". Se però si pensa alle prime produzioni della band, dispiace non avvertire più quell’originalità che certe atmosfere folk/celtiche riuscivano a creare.
E’ ormai chiaro che album come "Mother Earth" o "The Silent Force" sono irripetibili, però la sterzata soft/rock di "The Unforgiving" lascia un po’ d’amaro in bocca. I Within Temptation sono diventati, tanto per essere schietti, una band commerciale come tante, di enorme popolarità certo, ma qualitativamente sotto la media.
Anche la voce di Sharon ha perso in originalità. Non tanto per la qualità della voce, (sempre limpida e bellissima), ma per la tecnica esecutiva. Troviamo infatti meno aperture liriche ed è praticamente scomparsa la voce “bambina” alla Kate Bush che impreziosiva i primi lavori.
Speriamo che dopo il fragore di questo album i Within Temptation decidano di puntare nuovamente sulla qualità per tornare a fare davvero la differenza.

Tracklist:

1.Why Not Me
2.Shot in the Dark
3.In the Middle of the Night
4.Faster
5.Fire and Ice
6.Iron
7.Where Is the Edge
8.Sinéad
9.Lost
10.Murder
11.A Demon's Fate
12.Stairway to the Skies

Lineup

Sharon Den Adel - vocals
Robert Westerholt - guitars
Ruud Jolie - guitars
Martijn Spierenburg - keyboards
Jeroen van Veen - bass guitar

Everon

2011-05-07T10:47:00.000-07:00

Titolo: North (2008) - Flesh (2002)
Autore: Everon
Genere: Progressive Rock
Voto: 7
Sito Internet: www.everon.de

Everon è il nome di una band tedesca capitanata dal polistrumentista Oliver Philipps, scoperta leggendo per puro caso la recensione del loro ultimo lavoro intitolato "North".
Attratto dalla proposta musicale descritta nella recensione (un genere non ben definito, un mix di musica strumentale con partiture tipicamente classiche e musica rock ed elettronica), ho acquistato il cd ad occhi chiusi. Ed il risultato è stato davvero esaltante.
La figura del leader Oliver Philips (musicista poliedrico e principale compositore) mi ha ricordato molto quella di Arjen Anthony Lucassen, specialmente per l’apertura a tutte le influenze e a diversi stili di musica senza pregiudizi.
Anche il muoversi indipendentemente al di fuori delle mode e del music business accomuna Everon agli Ayreon (non a caso sul sito ufficiale, nella pagina dei siti amici, compare anche il sito di Ayreon).
Dal punto di vista musicale però le differenze sono notevoli: Ayreon si muove su un terreno tipicamente progressive metal, con incursioni nell’ambient ed inserti medievaleggianti, mentre gli Everon prediligono architetture più classiche e tradizionali che toccano anche lidi hard rock quando decidono di tirare fuori le unghie, senza però mai eccedere in velocità o aggressività.
Questo approccio caratterizza tutto "North", ricco di melodie intense e raffinate che riescono a trasportare l’ascoltare davvero verso…nord. E’ il caso della dolce e malinconica “Islanders” o di "Woodworks", che riportano alla mente paesaggi autunnali e lande desolate.
Molto belle anche "Hands" e "South of London", dove la chitarre elettrica graffia quanto basta, senza invadere la delicata struttura sottostante. Ma in generale tutti i brani sono di alto livello e durante l’ascolto si percepisce una piacevole sensazione di pace e benessere.
Tecnica, eleganza e melodia si fondono insieme creando il vero punto di forza del gruppo.
Grande lavoro anche il precedente "Flesh", 2002, dall’impronta però più elettronica. Su questo album infatti prevale l’uso di sintetizzatori e tastiere che, insieme alle chitarre, riescono a creare brani suadenti e pieni di atmosfera come "Missing From The Chain", "Half As Bad" e "Back Insight" (quest’ultima stupenda), per un trittico davvero da brivido.
Atmosfere oniriche, intense, calde e calme, a dispetto della copertina fredda e "mostruosa".
La sezione ritmica è ottima, ogni membro del gruppo si lancia in esecuzioni al limite della perfezione. Unica pecca forse la voce di Oliver, non brutta, ma a mio avviso poco adatta al genere proposto (e in effetti in molti brani fa capolino la delicata voce di Judith Stüber, ospite sui due album)
In definitiva due gran bei dischi, due piacevoli sorprese. Un’altra grande band fuori dal coro.

North (2008)

Tracklist:

[01] Hands
[02] Brief Encounter
[03] From Where I Stand
[04] Test Of Time
[05] North
[06] South Of London
[07] Wasn't It Good
[08] Woodworks
[09] Islanders
[10] Running

Flesh (2002)

Tracklist:

[01] And Still It Bleeds
[02] Already Dead
[03] Pictures Of You
[04] Flesh
[05] Missing From The Chain
[06] The River
[07] Half As Bad
[08] Back In Sight

Gamma Ray - "Skeletons & Majesties"

2011-05-04T12:29:00.000-07:00

Titolo: Skeletons & Majesties
Autore: Gamma Ray
Genere: Power Metal
Anno: 2011
Etichetta: earMusic
Voto: 5,5
Sito internet: www.gammaray.org

Interessante operazione commerciale questo “Sekeletons And Majesties” dei Gamma Ray. A botta fresca, il ripescaggio/riarrangiamento di vecchi brani appartenenti al passato più lontano potrebbe apparire un patetico tentativo di sopperire alla calo di creatività che la band sta vivendo da qualche anno a questa parte. Poi però ci si accorge subito che la scelta non è del tutto sbagliata. Anzi, era ora che Kai Hansen si decidesse a suonare nuovamente le belle canzoni di un tempo, quelle dei primi tre album tanto per intenderci.
Con gli ultimi lavori i Gamma Ray non hanno fatto altro che ripetersi e scopiazzare, sfornando album mediocri con canzoni degne di sigle dei cartoni animati (l’esempio più lampante è l’ultimo “To The Metal”, disco ridicolo a partire proprio dal titolo). Pertanto ben venga la riproposizione delle vecchie glorie!
Ce ne sono tanti, ma questo mini cd offre solamente “Hold Your Ground” (tratta da “Heading For Tomorrow”) e “Brothers” (da “Insanity And Genius”), riarrangiate egregiamente anche se a mio avviso le versioni originali, con Ralf Scheepers alla voce, sono nettamente migliori.
Discrete anche le versioni acustiche di “Send Me A Sign” e “Rebellion In Dreamland”.
Unica nota di demerito è la voce di Kai Hansen, che peggiora anno dopo anno e per niente adatta alle versione acustiche incentrate sulle tonalità basse.
Attendo con ansia l’uscita ufficiale di questo pseudo best of.

Tracklist:

Skeletons
01. Hold Your Ground
02. Brothers

Majesties

03. Send Me A Sign
04. Rebellion In Dreamland

Bonus Tracks:

05. Wannabees

Lineup

Kai Hansen - Voce, Chitarra
Henjo Richter - Chitarra, Tastiere
Dirk Schlächter - Basso
Dan Zimmermann - Batteria

King Diamond - "Give Me Your Soul...Please"

2011-04-30T13:16:00.000-07:00

Titolo: Give Me Your Soul...Please

Autore: King Diamond
Genere: Heavy Metal
Anno: 2007
Etichetta: Massacre Records
Voto: 6
Sito internet: www.covenworldwide.com

Amo King Diamond alla follia, di conseguenza ogni parola che scrivo è sicuramente influenzata dalla passione per questo immenso Gruppo, e ci tengo a usare la G maiuscola perché è vero che King è un genio, (è il Re!), ma gran parte del successo lo deve anche ai validissimi musicisti di cui si è sempre circondato nella sua lunga carriera.

Ogni uscita targata King Diamond è sinonimo di alta qualità, tuttavia da qualche anno a questa parte anche la vena creativa di King ogni tanto da segni di cedimento, con uscite non sempre all’altezza della situazione.

La carriera discografica di King Diamond si può dividere in due parti: la prima (la migliore e la più fortunata) va dall’esordio fino al 1995, comprendente classici come “Abigai”l e “Them” e altri grandi album come “The Eye” e “The Spyder’s Lullabye”; la seconda comincia con il deludente “The Graveyard”, si risolleva leggermente con “Voodoo”, scivola nuovamente su “The House Of God” per poi rialzarsi magnificamente con “Abigail pt. II” e “The Puppet Master” (più un ottimo live album).

Quest’ultimo “Give Me You Soul…Please” purtroppo si posa sul lato sbagliato della bilancia, avvicinandosi ad album poco ispirati come “The Graveyard” e “House Of God”.

Il primo punto debole risiede nei suoni, sottili e scarni proprio come nei due dischi appena citati. In passato il suono delle chitarre era potente e corposo, e insieme a basso e batteria la resa generale era veramente heavy. Ora invece il tutto suona molto leggero, più freddo e di conseguenza privo di forza.

Il secondo punto debole invece è la struttura dei brani, semplici, meno intricati che in passato e con assoli meno ispirati. “Never Ending Hill” e “Is Anybody Here” sono un esempio di quanto esposto finora: brani sotto la media e scarni dove King più che cantare sembra recitare un testo. A dirla tutta l’atmosfera di queste canzoni (e di altre come “Mirror Mirror” e la title track) si adatta più ai Mercyful Fate che a King Diamond.

Sia chiaro: il disco nel complesso non è male, il discorso fatto all’inizio circa il marchio di qualità di King Diamond vale sempre, tuttavia siamo molto lontani dagli standard a cui ci eravamo abituati.

Difficile fare una classifica dei brani, l’unico che mi è rimasto impresso è “The Floating Head”, con il suo riff secco e tagliente accompagnato da un bell’assolo verso la fine.

Insomma, peccato…ma non c’è da preoccuparsi più di tanto, presto King si rimetterà in carreggiata e sfornerà un nuovo capolavoro! Ne sono certo.

Tracklist

1) The dead - 1:57 (Diamond)
2) Never Ending Hill - 4:37 (La Rocque/Diamond)
3) Is Anybody Here? - 4:13 (Diamond)
4) Black of Night - 4:01 (La Rocque/Diamond)
5) Mirror Mirror - 5:00 (Diamond)
6) The Cellar - 4:31 (La Rocque/Diamond)
7) Pictures in Red - 1:27 (La Rocque/Diamond)
8) Give Me Your Soul - 5:29 (La Rocque/Diamond)
9) The Floating Head - 4:47 (La Rocque/Diamond)
10) Cold as Ice - 4:30 (Diamond)
11) Shapes of Black - 4:22 (Diamond)
12) The Girl in the Bloody Dress - 5:07 (Diamond)
13) Moving on - 4:06 (Diamond)

Lineup

King Diamond - voce, tastiere
Andy LaRocque - chitarra, tastiere
Mike Wead - chitarra
Hal Patino - basso
Matt Thompson - batteria
Livia Zita - voce addizionale

Artillery - "My Blood"

2011-04-19T10:33:00.000-07:00

Titolo: My Blood
Autore: Artillery
Genere: Thrash
Anno: 2011
Etichetta: Metal Mind Production
Voto: 7
Sito internet: www.artillery.dk

Per fortuna l’abito non fa il monaco, perché se si dovesse giudicare i dischi degli Artillery dalle copertine ci sarebbe da rabbrividire!

Ma fortunatamente ciò che conta è la sostanza, e con gli Artillery si va sempre a colpo sicuro.

Pare che la band stia proprio vivendo una seconda giovinezza dal punto di vista creativo. Dopo l’annunciata reunion nel 2007, concretizzatasi due anni più tardi con la pubblicazione di “When Death Comes” (una bastonata thrash come non si sentiva da parecchio tempo), gli Artillery si sono subito rintanati in studio per dare alla luce il degno successore che risponde al nome di “My Blood”.

Ed è proprio la musica ad essere la linfa vitale di questi quattro ragazzi (un po’ cresciutelli) che nel 2011 suonano un genere che trasuda passione da ogni nota. Stilisticamente non ci sono novità, il sound degli Artillery non è cambiato nel corso degli anni rimanendo saldamente ancorato a un classico thrash metal veloce, potente e tecnico, condito da un pizzico di melodia che rende i brani più fruibili e tirati, specialmente nei ritornelli. Su tutto troneggia la voce potente e sguaiata di Nico Adamsen.

La produzione è ottima, i suoni sono limpidi e ben definiti. I brani sono tutti di alto livello e la prima parte del cd non concede tregua: “Mi Sangre”, “Monster”, “Death Is An Illusion”, “Dark Days” e “Aint’ Giving In” picchiano davvero duro. Ma dopo la tirata e un po’ commerciale “Thrasher” (un inno metallico da urlare dal vivo: “Raise your hands/Thrasher!/Bang your head/Thrasher!/Scream it out/Thrasher”!) c’è un leggero calo del disco con brani un po’ più deboli (“Warrior Blood” , “Concealed In The Dark”, “The Great”) che comunque non vanno a intaccare il valore complessivo dell’album.

Il cd è disponibile anche in versione digipack, contenente due classici degli Artillery, “Show Your Hate” ed “EternalWar”, tratti dal primo lavoro “Fear Of Tomorrow” del lontano 1985 e riarrangiati per l'occasione.

Dopo ripetuti ascolti, l’impressione che “My Blood” sia leggermente inferiore a “When Death Comes” è piuttosto evidente. “My Blood” è un album più diretto, con brani meno strutturati e più lineari, e dunque di più facile assimilazione (ma non banali, sia chiaro).

Il giudizio finale comunque non può essere che positivo. Gli Artillery sono sinonimo di garanzia in fatto di musica di qualità.

Tracklist

1. Mi Sangre (The Blood Song)

2. Monster

3. Dark Days

4. Death Is An Illusion

5. Ain´t Giving In

6. Prelude To Madness

7. Thrasher

8. Warrior Blood

9. Concealed In The Dark

10. End Of Eternity

11. The Great

Lineup

Søren Adamsen - voce

Michael Stützer - chitarra

Morten Stützer - chitarra

Anders Gyldenøhr - batteria (Hatesphere)

Mikael Ehlert - basso (Hatesphere)

King Kobra - "King Kobra"

2011-04-19T10:14:00.000-07:00

Titolo: King Kobra

Autore: King Kobra
Genere: Hard Rock/Glam
Anno: 2011
Etichetta: Frontiers Records
Voto: 6,5
Sito internet: http://www.angelfire.com/il2/kingkobra/
Myspace: http://www.myspace.com/kingkobrarock

Chi si è perso l’hard rock anni ’80 tutto lustrini e paillettes di certo non ricorderà i King Kobra, fondati nell’84 dal batterista Carmine Appice ed esponenti minori del filone glam/hair metal molto in voga in quel periodo. Nella loro breve carriera (1984–1988) pubblicarono quattro discreti album che, anche se non li portarono alla ribalta ai livelli di colleghi più blasonati (Motley Crue, Bon Jovi, Poison, Dokken, Def Leppard, ecc.), riuscirono a creare una certa fama e un buon seguito di fans.
Dopo lo scioglimento e la pubblicazione di alcune raccolte, i King Kobra si riunirono nel 2001 pubblicando un album di inediti (“Hollywood Trash”, passato praticamente inosservato) per poi sciogliersi nuovamente.
Nel 2010 si rincorsero le voci di una reunion con i membri originali (anche se il cantante Mark Free non accettò e al suo posto fu assoldato Paul Shortino dei Quiet Riot) e la pubblicazione di un nuovo album, ovvero questo omonimo “King Kobra”.
Si è sempre un po’ scettici di fronte ai revival nostalgici, ma questo disco, pur suonando tremendamente anni’80 (potrebbe essere stato riesumato da un floppy disk dimenticato in chissà quale cassetto) è davvero un buon prodotto. La miscela è sempre la stessa: hard rock duro e melodico con sprazzi di blues e rock’n’roll che donano ai brani classe e carica e anche un certo “tiro”, come l’opener “Rock This House” o “This Is How We Roll”, due brani per pogare e, perché no, anche da ballare!
La band sembra affiatata, i riff sono classici ma tosti e si danno battaglia con ottimi assoli e su tutto si scatena la voce sporca e graffiante di Paul Shortino, per un risultato davvero sopra la media. Tra i brani migliori, oltre ai due sopra citati, segnalo “We Got A Fever”, “Top Of The World” e “Midnight Woman”.
Nella parte finale c’è spazio anche per una ballad e per un paio di brani non proprio riusciti, ma nel complesso il risultato è positivo.
Ascoltando il disco, per un breve istante si avverte quell’atmosfera fatta di luci colorate che illuminano folli pettinature cotonate/platinate e spandex attillati… Purtroppo però, per il genere troppo retrò, questo lavoro finirà nel dimenticatoio nel giro di brevissimo tempo.

Tracklist

01. Rock This House
02. Turn Up The Good (Times)
03. Live Forever
04. Tear Down The Walls
05. This Is How We Roll
06. Midnight Woman
07. We Got A Fever
08. Tope Of The World
09. You Make It Easy
10. Cryin' Turns To Rain
11. Screamin' For More
12. Fade Away

Lineup

Paul Shortino - voce
Mick Sweda - Chitarra, Sintetizzatori
Steve Fister - Chitarra
Carmine Appice - Batteria

Un classico dal passato: "Them", di King Diamond

2011-04-13T13:46:00.000-07:00

Titolo: Them
Autore: King Diamond
Genere: Heavy Metal
Anno: 1988
Etichetta: Roadrunner Records
Voto: 9
Sito internet: www.covenworldwide.org

King Diamond è uno dei miei gruppi storici preferiti.
Me lo fece conoscere un mio amico credo nel ’94 ascoltando in macchina “Eye Of The Witch”, contenuta in “The Eye”, che al tempo era uno degli ultimi album.
Da quel disco nacque la passione per il re, che dura ancora, nonostante le produzioni altalenanti degli ultimi anni.
Di tutta la discografia “Them” è a mio avviso il disco più bello realizzato da King Diamond. Certo “Abigail” è un capolavoro assoluto e indiscutibile, tuttavia tra i due ho sempre avuto una predilezione per “Them”, in quanto penso che questo sia il cd in cui tutti i membri del gruppo esprimano ai massimi livelli la loro capacità tecnica. Per dirla con le mie parole di sempre, “è il disco in cui tutti fanno da matti!”.
La voce di King è fenomenale, spara a mille usando una grande varietà di effetti, molti dei quali si perderanno nei cd successivi. Le chitarre di Andy Laroque e Pete Blakk sono da brivido: distorsione tagliente, riff tecnici per architetture complesse e drammatiche che da soli bastano a creare atmosfere orrorifiche (altroché le tastiere dei gruppi black metal moderni!); assoli veloci, melodici, puliti e ben studiati, figli di una classe unica difficilmente riscontrabile al giorno d’oggi.
Menzione particolare anche per Mikki Dee alla batteria, autore di un drumming tecnico e fantasioso. Non una battuta fuori posto in brani tutti caratterizzati da tempi intricati e sempre diversi.
Prima di addentrarci nell’analisi dei singoli brani, vale la pena ricordare che il disco è un concept album (come tutti i cd di King Diamond), una storia di fantasmi intrigante e agghiacciante scritta interamente da King. Leggere i testi (e la storia) durante l’ascolto rendo tutto più affascinante, e aiuta l’ascoltatore a immedesimarsi nell’universo diabolico del re.
Ed ora la musica.
Un intro inquietante introduce “Welcome Home”, una della canzoni più belle del disco e di King Diamond in generale (è uno dei maggiori cavalli di battaglia dal vivo), un brano malefico dal lento incedere che dopo un bellissimo break parte a palla per finire con un lungo assolo di Andy. Un riff da brivido segna l’inizio di “The Invisible Guests”, altro grandissimo brano suonato quasi sempre dal vivo. Seguono la cadenzata “Tea” e le più classiche “Mother’s Getting Weaker” e “Bye, Bye, Missy”, che fanno da preludio a un’altra tra le canzoni più belle di King: “A Broken Spell”. Particolarmente suggestiva per il testo che narra una scena cruciale della storia del concept (la morte di Missy, arsa viva, e l’omidicio della nonna di King), il brano è un susseguirsi di assoli e cambi di tempo che si interrompono nel break acustico centrale, per riesplodere in un altro lungo e bellissimo assolo sotto il quale incede un giro di basso che si allinea perfettamente al finale della scena: la corsa di King nel bosco in preda al panico per la morte della sorella. Anche in questo caso, per poter apprezzare il brano nella sua totalità, è necessario leggere il testo e immedesimarsi nella narrazione.
Vale la pena aprire una parentesi sul fatto che, anni addietro, King Diamond venne criticato per i suoi testi, o meglio, per una presunta incapacità a scrivere testi. Come sempre è stato il tempo à svelare la verità, tant’è che ancora oggi è impossibile pensare a un cd di King Diamond senza una storia di fondo. Anzi, spesso ci sono più aspettative circa le tematiche affrontate sulla prossima uscita che sulla musica.
La capacità di riuscire a trasformare storie in musica, riuscendo ad abbinare architetture musicali a determinate scene (un momento drammatico o dell’orrore, una fuga, ecc….) è rimasta intatta nel tempo, al di la del risultato finale delle composizioni.
Ma torniamo a “Them”, ormai alle ultime battute.
Dopo “The Accusation Chair” e la strumentale “Them” è la volta di un altro stupendo brano: “Twilight Symphony”, insolito, tecnico e con numerosi cambi di tempo e un break centrale contraddistinto da un riff pesante e inquietante.
Chiudono “Coming Home” e “Phone Call”, degli outro utili più che altro alla conclusione della storia.
Che dire di più…“Abigail” fu il disco che lanciò King Diamond nell’olimpo del metal diventando un classico degli anni ’80, musicalmente e storicamente. “Them” non fece altro che accresce la popolarità del cantante danese, tant’è che con il disco successivo, “Conspiracy”, venne scritta la seconda parte della storia.
Purtroppo con il passare del tempo la vena creativa è diminuita anche per King Diamond. Dopo “The Spyder’s Lullabie”, che tutto sommato non era male, sono usciti tre dischi piuttosto fiacchi: “The Graveyard” (poco ispirato), “Voodoo” (forse il migliore tra i tre) e “House Of God” (il peggiore di tutti!).
Seguono poi “Abigail pt. II: The Revenge”, un disco molto bello ma ovviamente non paragonabile al prequel e “The Puppet Master”, che ho apprezzato molto, soprattutto per la storia e la sua resa in musica.
L’ultimo album risale al 2007, “Give Me Your Soul…Please”, ed è risultato un mezzo fiasco.
Le ultime notizie ricevute direttamente dal sito ufficiale davano King Diamond in grave pericolo di vita per dei seri problemi al cuore, pare però egregiamente risolti con alcuni interventi.
Si attendono quindi notizie sulla salute, e ovviamente sui progetti futuri.
Lunga vita al Re!

Tracklist

1. Out From The Asylum
2. Welcome Home
3. The Invisible Guests
4. Tea
5. Mother's Getting Weaker
6. Bye, Bye Missy
7. A Broken Spell
8. The Accusation Chair
9. "Them"
10. Twilight Symphony
11. Coming Home

Lineup

King Diamond - All Vocals
Andy La Rocque - Lead Guitar
Pete Blakk - Lead Guitar
Timi Hansen - Bass
Mikkey Dee - Drums

Il video di "Welcome Home"

Artillery - "When Death Comes"

2011-04-10T02:37:00.000-07:00

Titolo: When Death Comes
Autore: Artillery
Genere: Trash
Anno: 2009
Etichetta: Metal Mind Produtcions
Voto: 7
Sito internet: www.artillery.dk

In attesa chi mi arrivi “My Blood”, uscito da poco tempo, mi sono rigustato il precedente “When Death Comes” dei danesi Artillery e…

…che bastonata ragazzi! Era da tempo che non ascoltavo un bel disco di trash metal vecchio stampo come questo.

Gli Artillery sono uno di quei gruppi che pur essendosi sempre distinti con album di qualità, non si sa perché non ha mai riscosso quel successo commerciale da fare il botto come molti loro colleghi coetanei.

Formatisi intorno all’80-‘81, si sciolsero nel ‘91 dopo aver pubblicato quattro discreti album. Nel 2007 la stampa di settore diffuse la notizia circa l’intenzione dei fratelli Stuerzer di ritornare in attività, e nel 2009 piomba nei negozi questa mazzata di album.

Il sound degli Artillery non è cambiato di molto nel corso degli anni, un mix di tecnica, potenza e melodia maneggiati da mani esperte e sapienti. Su tutto troneggia la voce ruvida e sguaiata di “Nico” Adamsen

Fin dalle prime notte dell’opener “When Death Comes” si viene catapultati in una dimensione di furia e velocità. Suoni potenti e ben definiti (coadiuvati da un’ottima produzione) fanno da cornice a riff diabolici sparati a mille dalle chitarre dei fratelli Stuetzer.

Dopo “Upon My Cross I Crawl” si riesce a trattenere un po’ il respiro (si fa per dire…) con la cadenzata “10.00 Devils” (uno dei pezzi migliori per tiro e potenza) per poi essere nuovamente colpiti dalla mazzata di “Rise Above It All”.

A seguire troviamo “Sandbox Philosophy”: veloce, potente e tecnica, dal refrain melodico molto trascinante che la candida a un altro tra i pezzi migliori.

Con la successiva “Delusions Of Grandeur” si riesce a riprendere un po’ fiato (questa volta davvero) grazie a un brano più morbido e cadenzato.

Gli ultimi quattro pezzi fanno “scricchiolare” un po’ l’ottima impalcatura finora installata, con una “Not A Nightmare” che strizza l’occhio agli Slayer, una canonica “Damned Religion” e le ultime “Uniform” e "The End", meno ispirate rispetto alle altre.

A parte questo indebolimento sul finale, il giudizio è più che positivo: “When Death Comes” è un gran bel disco, ben prodotto e soprattutto ben suonato.

Attendo con ansia di sentire l’ultima prova.

Tracklist

1) When Death Comes - 5:55
2) Upon My Cross I Crawl - 5:29
3) 10.000 Devils - 5:20
4) Rise Above It All - 5:32
5) Sandbox Philosophy - 4:45
6) Delusions Of Grandeure - 5:10
7) Not A Nightmare - 5:30
8) Damned Religion - 5:11
9) Uniform - 5:01
10) The End - 5:22

Lineup

Søren Adamsen - voce
Michael Stützer - chitarra
Morten Stützer - chitarra
Anders Gyldenøhr - batteria
Mikael Ehlert - basso

Secret Sphere - "Archetype"

2011-04-01T13:56:00.000-07:00

Titolo: Archetype
Autore: Secret Sphere
Genere: Power Metal
Anno: 2010
Etichetta: Scarlet Records Scarlet Reco
Voto: 7
Sito internet:
Myspace: http://www.myspace.com/heartanger

I Secret Sphere non sbagliano un colpo. Da “Mistress Of Shadowlight” a “Sweet Bloody Theory” si sono sempre distinti nel “marasma metallico” per personalità e capacità tecnica, passando dal power sinfonico degli esordi a un metal più classico e diretto contaminato da un hard rock roccioso e tirato presente soprattutto negli ultimi due lavori. Un marchio di qualità dunque che li ha portati a vivere un momento d’oro nei primi anni 2000 grazie a un importante contratto con la Nuclear Blast, una intensa attività live con tour (anche in America) in compagnia di grossi nomi tra cui Gamma Ray e Freedom Call, un discreto successo in Giappone e un’affermazione in ambito power a livello internazionale. I Secret Sphere insomma si sono guadagnati nel corso degli anni la palma di principali esponenti del metal tricolore.

Il nuovo album “Arhcetype” segue fedelmente l’ultimo corso della band, confermando lo spessore artistico dei singoli musicisti nonostante i vari cambi di lineup.

Aldo Lonobile è in forma più che mai e insieme a Marco Pastorino spara riff e assoli ispirati senza mai cadere nella banalità o nella ripetizione. Tutto il songwriting in generale è ispirato e di alta qualità; nel cd si alternando pezzi veloci e potenti come l’opener “Line On Fire”, “Death From Above” (una delle canzoni più tirate, con chitarre taglienti nel bridge in un bridge davvero bello. Da segnalare questa canzone anche per il testo incentrato sulla morte dei civili nelle zone di guerra a causa dei bombardamenti aerei), “Into The Void”, e brani più rockeggianti come “Future” e “All In A Moment”, in perfetta linea con l'hard rock di “Heart & Anger”. Da segnalare tra questi “Mr. Sin”, un brano orecchiabile dal ritornello particolarmente catchy che si avvicina molto ai brani più commerciali degli ultimi Helloween: cadenzati, scanzonati, da cantare a squarciagola dal vivo (tipo “Mrs. God” o “Hey Lord”). Anzi, direi che se fossero gli Helloween a pubblicare un singolo con “Mr. Sin”, ne scaturirebbe di sicuro un successone.

I brani sono tutti di ottima qualità, complici linee melodiche eleganti ed accattivanti e, come si diceva prima, una notevole capacità tecnica di tutti i musicisti. Gli assoli sono puliti, melodici e studiati, lo stesso vale per le parti di tastiera (più sporco e impastato invece il suono della chitarra ritmica). Buona anche la prova di Ramon Messina, a mio avviso più a suo agio sui brani hard rock piuttosto che su quelli power incentrati sugli acuti.

Il disco si conclude con la title track, “Archetype”, che fonde elementi power, prog, sinfonici e hard rock, sostenuti da belle melodie vocali e ottimi assoli.

Insomma, con “Archetype” i Secret Sphere si confermano tra i principali esponenti del metal italiano, dimostrando di avere tutte le carte in regola per competere anche con i grandi nomi del metal internazionale

Tracklist

1. Pattern Of Thought (Intro)

2. Line Of Fire

3. Death From Above

4. The Scars That You Can't See

5. More Than Myself

6. Future

7. Mr. Sin

8. Into The Void

9. All In A Moment

10. Archetype

11. Vertigo (European bonustrack)

12. The Look (European bonustrack)

Lineup

Ramon Messina - Vocals

Aldo Lonobile - Guitar

Marco Pastorino - Guitar

Andy Buratto - Bass

Gabriele Ciaccia - Keyboards, piano

Federico Pennazzato - Drums

Una piacevole scoperta: Mostly Autumn - "Heart Full Of Sky"

2011-03-27T03:16:00.000-07:00

Titolo: Heart Full Of Sky
Autore: Mostly Autumn
Genere: Progressive Rock
Anno: 2007
Etichetta: Mostly Autumn Rercors
Voto: 7,5
Sito internet: www.mostly-autumn.com

Ho scoperto i Mostly Autumn ascoltando la voce delicata della bella Heater Findlay su “The Human Equation” di Ayreon, disco nel quale Heater interpreta la figura dell’Amore (Love).

E visto che Arjen in fatto di talenti ha occhio, ho deciso di approfondire la conoscenza di questo gruppo a me totalmente sconosciuto.

I Mostly Autumn sono una band inglese dedita a un rock a tratti progressivo e con incursioni nel folk, influenzata principalmente dai Pink Floyd, dei quali hanno anche fatto alcune cover raccolte nell’album “Pink Floyd Revisited”.

“Heart Full Of Sky” è il loro settimo studio album. Un disco di soft rock pervaso da diverse atmosfere: dal rock ipnotico e sognante di "Fading Colours" e "Walk With A Storm" (in quest'ultima emerge chiaramente la vena folk) al pop rock allegro di "Pocket Watch", passando per brani introspettivi e ricercati come le bellissime "Blue Light" e "Find The Sun", quest’ultima davvero intensa, accompagnata da un malinconico violino che ne aumenta l’emozionalità.

In "Broken", un brano per sola voce e pianoforte, echeggia la migliore Kate Bush.

Nonostante la ricercatezza di suoni e atmosfere, il disco è facilmente assimilabile già dai primi ascolti, complici soprattutto delle belle melodie.

Dalle informazioni che ho potuto reperire su wikipedia e sul sito ufficiale, la band pare godere di un buon seguito in Inghilterra, restando comunque una sorta di gruppo di nicchia.

Un disco consigliato a tutti gli amanti del rock ricercato e introspettivo alla Pink Floyd.

Tracklist

1. Fading Colours

2. Half A World

3. Pocket Watch

4. Blue Light

5. Walk With A Storm

6. Find The Sun

7. Ghos

8. Broken

9. Silver Glass

10. Further From Home

11. Dreaming

Lineup

Heather Findlay (Voce, Chitarra Acustica, Percussioni)
Angela Gordon (Flauto, Tastiere, Voce)
Bryan Josh (Chitarra, Voce, Pianoforte)
Chris Johnson (Tastiere, Chitarra, Voce)
Andy Smith (Basso)
Gavin Griffiths (Batteria)
Olivia Sparnenn (Voce, Percussioni)

Rhapsody Of Fire - "The Frozen Tears Of Angels"

2011-03-23T09:12:00.000-07:00

Titolo: The Frozen Tears Of Angels
Autore: Rhapsody Of Fire
Genere: Symphonic Metal
Anno: 2010
Etichetta: Nuclear Blast
Voto: 8
Sito internet: www.rhapsodyoffire.com

La pausa forzata che ha costretto i Rhapsody Of Fire al silenzio totale (blocco dell’attività live e in studio) non ha minimamente intaccato la creatività della band triestina, che a distanza di quattro lunghi(ssimi) anni da “Triumph Or Agony” si riaffaccia sulla scena metal mondiale con “The Frozen Tears Of Angels”, un disco bellissimo che musicalmente si rifà ai primi lavori e conferma i Rhapsody signori indiscussi del loro power/symphonic/hollywood/film score metal…
Parlo di un ritorno alle origini perché in questo disco la parte sinfonico-orchestrale viene parzialmente accantonata per dare più spazio alle chitarre e al “metal” in generale.
Negli ultimi lavori infatti l’aspetto orchestrale era predominante (specialmente in “Triumph Or Agony”, che si può considerare come una vera e propria colonna sonora), e anche se i risultati erano eccellenti, a mio avviso si era perso un po’ troppo il senso dell’orientamento.
Il nuovo disco invece suona metal al 100%, le orchestrazioni vengono scavalcate da una valanga di assoli e scale velocissime (sia di chitarra che di tastiera) proprio come nei primi due album.
Viene anche ripresa quell’aggressività che caratterizzava “Power Of The Dragonflame”, album in cui la componente metal era molto in evidenza.
Non mancano infine elementi tipici della musica dei Rhapsody come i cori epici (con strofe in latino), i passaggi strumentali medievaleggianti e l’uso della lingua italiana, ormai caratteristica fissa che si inserisce egregiamente nelle melodie complessive.
Il risultato è una serie di brani potenti, veloci e melodici, strutturalmente meno intricati che in passato ma non per questo banali o scontati.
Si parte in quarta con la veloce “Sea Of Fate” (primo singolo del quale è stato realizzato anche un video un po’ pacchiano), poi via con i cambi di tempo di “Crystal Moonlight” per arrivare alla prima perla del cd, “Reign Of Terror”, un pezzo epico tiratissimo con accelerate stile black metal in cui Fabio si lancia in uno screaming pazzesco (tra l’altro in un’intervista Fabio ha espresso preoccupazione per la sua voce circa l’esecuzione di questo brano dal vivo, molto richiesto dai fans).
Segue “Danza Di Fuoco E Ghiacchio”, una ballata “branduardiana” cantata interamente in italiano in cui fanno capolino chitarre acustiche e flauti medievali magistralmente arrangiati alla Rhapsody maniera.
Dopo questi sei minuti di riposo il disco riparte in tromba con la stupenda “Raging Starfire”, altra perla ricca di assoli di chitarra e tastiere che si susseguono a tutta velocità, dotata di un ritornello davvero bellissimo e accattivante (il break verso il finale è davvero da brividi!).
La successiva “Lost In Cold Dreams” è un lento non del tutto riuscito. A parte il ritornello melodico, il brano è piuttosto anonimo.
Ma non c’è tempo per soffermarsi su questo dettaglio perché “On The Way To Ainor” esplode con un riff tirato che spazza via ogni dubbio. Un’altra perla del cd: potente, epica, impreziosita da un lungo assolo di Turilli davvero ispirato.
In chiusura, come da tradizione, un brano lungo (di circa 11 minuti) che presenta tutte le caratteristiche del sound dei Rhapsody (riff tecnici, melodia, tastiere in evidenza, gran voce di Fabio).
Insomma, questo “The Frozen Tears Of Angel” è davvero un gran ritorno che conferma le aspettative che si erano create da lungo tempo e che sicuramente riporterà i Rhapsody in cima alle classifiche europee.

Tracklist

1) Dark Frozen World - 2:12
2) Sea of Fate - 4:49
3) Crystal Moonlight - 4:25
4) Reign of Terror - 6:52
5) Danza di fuoco e ghiaccio - 6:26
6) Raging Starfire - 4:56
7) Lost in Cold Dreams - 5:14
8) On the Way to Ainor - 6:59
9) The Frozen Tears of Angels - 11:17

Durata totale 00:59:42

Lineup

Fabio Lione - voce
Luca Turilli - chitarra
Alessandro Staropoli - tastiere
Patrice Guers - basso
Alex Holzwarth - batteria
(Christopher Lee - voce narrante)

Grave Digger - "The Clans Will Rise Again"

2011-03-16T13:46:00.000-07:00

Titolo: The Clans Will Rise Again
Autore: Grave Digger
Genere: Power Metal
Anno: 2010
Etichetta: www.napalmrecords.com
Voto: 6
Sito internet: www.grave-digger.de
Myspace: www.myspace.com/gravediggerclan

E così alla fine anche i granitici Grave Digger hanno ceduto alla moda del disco “parte seconda”, scrivendo con il nuovo “The Clans Will Rise Again” il seguito di “Tunes Of war”, il loro album più acclamato.
Purtroppo, come per la maggior parte dei sequel usciti in questi ultimi anni, il risultato è deludente e in questo caso anche preoccupante. Perché se da un lato è vero che i Grave Digger non si sono mai distinti per originalità o tecnica compositiva, dall’altro è naturale avere certe aspettative da una band che in 30 anni di carriera, grazie a ottimi album e dirompenti esibizioni live, ha contribuito nel suo piccolo a scrivere la storia del metal.
E invece quello che i nostri propongono nel 2010 suona tanto come un tentativo ruffiano e a tratti ridicolo di bissare il successo di “Tunes Of War”. Una manciata di riff triti e ritriti (l’inserimento del nuovo chitarrista Axel Ritt non ha avuto nessun effetto), ritornelli scontati e poco trascinanti (forse in chiave live renderanno di più), il tutto infarcito da cornamusa (esagerate) e suoni di battaglia che francamente imbarazzano non poco chi già conosce il capitolo precedente.
Per tutta la durata del cd si avverte una sgradevole sensazione di dejà vu ed è davvero difficile stilare una classifica dei brani.
Dopo l’intro di rito (con cornamusa ovviamente) si parte un po’ in sordina con “Paid in Full”, brano roccioso con un ritornello mediocre dal testo veramente banale (quasi uguale a quello di Scotland United). Nella successiva “Hammer Of The Scots” ritorna lo sferragliare di spade che inevitabilmente riporta alla mente la mitica “William Wallace”, anche se un paragone è impensabile.
Segue “Highland Farewell”, non male, della quale è stato anche girato un discreto video (sotto riportato). La title track non dice più di tanto e a seguire troviamo “Rebels”, piuttosto riuscita con un bel ritornello. Seguono poi alcune pezzi veramente privi di personalità: “Valley Of Tears” (che ricorda troppo “Princess Of The Dawn” degli Accept), “Execution”, “Whom The Gods Love” (queste due davvero insignificanti) e altri quattro brani di cui si salva solo “Coming Home”, un mid tempo epico e potente da cantare a squarciagola.
Nemmeno l’ombra di un brano speed, di un bell’assolo o di un riff killer.
Dispiace dirlo, ma questo nuovo lavoro sembra un gran calderone dove i Grave Digger hanno furbescamente mescolato ciò che i fan hanno amato di più del capitolo precedente (cornamusa, spade, testi battaglieri, braveheart…).
D’altra parte, sarà proprio questa ripetitività a fare la felicità degli “aficionados” e a far vendere bene il disco!
Per tutti gli altri, meglio sorvolare.

Tracklist

1. Days Of Revenge
2. Paid In Blood
3. Hammer Of The Scots
4. Highland Farewell
5. The Clans Will Rise Again
6. Rebels
7. Valley Of Tears
8. Execution
9. Whom The Gods Love
10. Spider
11. The Piper McLeod
12. Coming Home
13. When Rain Turns To Blood

Lineup

Chris Boltendahl - Voce
Axel Ritt - chitarra
Hans Peter Katzenburg - Tastiere
Jens Becker - Basso
Stefan Arnold – Batteria

Di seguito il video di "Highland Farewell":

Children Of Bodom: "Relentless, Reckless Forever"

2011-03-14T13:24:00.000-07:00

Titolo: Relentless, Reckless Forever

Autore: Children Of Bodom

Genere: Heavy Metal

Anno: 2011

Etichetta: Spinefarm Records

Voto: 6

Sito internet: www.cobhc.com

Dopo le bastonate trash di “Are You Dead Yet” e “Blooddrunk” (che avevano deluso i fan storici ma attirato anche nuovi adepti), i Children Of Bodom fanno marcia indietro e ritornano al caro power metal tecnico degli esordi che li fece esplodere nel ’99 con “Hatebreeder”, capolavoro insuperato.

Purtroppo però il nuovo “Relentless Reckless Forever” fa marcia indietro anche in fatto di qualità, risultando un disco di maniera ben prodotto e magistralmente suonato, ma aimè musicalmente poco ispirato e povero di idee.

Chi ama l’abilità tecnica di Lahio e soci non resterà deluso, la prestazione del combo infatti è impeccabile, tuttavia sono proprio i brani a mancare di originalità e a non fare presa.

A mio avviso sono molte le lacune di questo disco: innanzitutto i ritmi sono più rallentati che in passato, mancano quelle potenti sfuriate black dove chitarra ritmica e solistica si scatenavano alla follia. In secondo luogo le composizioni sono meno intricate, non direi commerciali ma comunque maggiormente fruibili e assimilabili già al secondo ascolto. Il suono inoltre nel complesso risulta più leggero e poco “malefico” (complici anche giri di tastiera poco d’atmosfera), tant’è che se non fosse Lahio a cantare, si potrebbe benissimo pensare di essere di fronte a un cd power qualunque.

Infine una nota di demerito va alla brevissima durata del cd: nemmeno 40 minuti! Non ho fatto in tempo a finire la recensione che il cd era già terminato!

Difficile fare una classifica dei brani migliori, perché partono tutti in tromba con dei riff potenti per perdersi nel vuoto dopo il primo minuto e poi finire nell’anonimato completo, complici anche lunghi assoli poco ispirati e tastiere invadenti, in questo disco utilizzate più da contorno ai brani che per veloci assoli. Ad ogni modo i meglio riusciti sono “Not My Funeral”, la title track (che verso l’inizio ricorda “Mask Of Sanity”), e la melodica “Roundtrip To Hell And Back”.

Insomma, il 2011 ci restituisce una band tecnicamente in forma, ma un po’ a corto di idee.

Adesso godiamoceli dal vivo

Tracklist

1. Not My Funeral

2. Shovel Knockout

3. Roundtrip to Hell and Back

4. Pussyfoot Miss Suicide

5. Relentless Reckless Forever

6. Ugly

7. Cry of the Nihilist

8. Was It Worth It?

9. Northpole Throwdown

Lineup

Alexi "Wildchild" Laiho - chitarra, voce

Roope Latvala - chitarra

Jaska W. Raatikainen - batteria

Henkka "Blacksmith" Seppala - basso

Janne Wirman - tastiere

Di seguito il primo video ufficiale del nuovo cd, "Was It Worth".

Helloween - 7 Sinners

2011-03-11T08:57:00.000-08:00

Titolo: 7 Sinners

Autore: Helloween

Genere: Power Metal

Anno: 2010

Etichetta: SPV/Steamhammer

Voto: 7

Sito internet: www.helloween.org

Non male il nuovo “7 Sinners”, un disco potente e aggressivo dopo l’esperimento soft di “Unarmed - Best of 25th Anniversary”, in cui gli Helloween si divertivano a stravolgere e ammorbidire i loro grandi successi.

Musicalmente il disco si rifà a “Gambling With The Devil”: suoni moderni, potenti e ruvidi (il suono della chitarra in alcuni punti si avvicina al new metal) per canzoni tirate e melodiche, anche se in molti brani aleggia un’aurea oscura che in più punti richiama alla mente “The Dark Ride”.

La lineup ormai è consolidata e affiatata, Weikath e Gerstner alternano riff e assoli di notevole spessore, il drumming di Loeble è garanzia di precisione e potenza; il songwriting in generale è ispirato.

L’opener “When The Sinners Go” è un buon mid tempo oscuro che prepara il terreno per “Are You Metal”, dal titolo pacchianissimo (stranamente in linea con “To The Metal” dei Gamma Ray…) ma dall’incedere aggressivo e melodico allo stesso tempo. All’interno del brano troviamo anche una serie di sfuriate speed sulle quali esplodono gli acuti di Deris che faranno sicuramente strage in sede live.

Si prosegue alla grande con “Who Is Mr. Madman”, “Raise The Noise” e “World Of Fantasy”, quest’ultima più melodica e rockettara (vicina ai pezzi più hard rock che solitamente portano la firma di Deris), fino ad arrivare alla tempesta di metallo di “Long Live The King”, un brano veloce e potente tra i migliori del lotto, di sicuro devastante se proposta dal vivo grazie anche al drumming furioso di Loeble.

A seguire troviamo “The Smile Of The Sun”, una canonica ballad, e “You Stupid Mankind”, dalle tinte progressive. Purtroppo da qui in avanti il disco comincia a stonare, con brani anonimi e noiosi (“If A Mountain Coudl Talk”, “The Sage, The Fool, The Sinner”)

Lo sorti dell’album si risollevano con “My Sacrifice” e l’oscura “Far In The Future”, che chiude un disco traballante sul finire, ma buono nel complesso.

“7 Sinners” è un ottimo biglietto da visita per gli Helloween, che così arrivano all’ottavo buon disco dell’”era Deris”.

Tracklist

1) Where the Sinners Go - 3:35

2) Are You Metal? - 3:37

3) Who Is Mr. Madman? - 5:42

4) Raise the Noise - 5:06

5) World of Fantasy - 5:14

6) Long Live the King - 4:12

7) The Smile of the Sun - 4:36

8) You Stupid Mankind - 4:04

9) If a Mountain Could Talk - 6:44

10) The Sage, the Fool, the Sinner - 3:59

11) The Sacrifice - 4:59

12) Not Yet Today - 1:11

13) Far in the Future - 7:45

Durata totale 00:58:04

Lineup

Andi Deris - (voce)

Michael Weikath - chitarra

Markus Großkopf - basso

Sascha Gerstner - chitarra

Daniel Loeble - batteria

Di seguito il video del primo singolo estratto, "Are You Metal?"

Star One - Victims Of The Modern Age

2011-03-08T05:19:00.000-08:00

Titolo: Victims Of The Modern Age

Autore: Star One
Genere: Progressive Metal
Anno: 2010
Etichetta: InsideOut Music
Voto: 7
Sito internet: www.arjenlucassen.com
My Space: www.myspace.com/ayreonauts

Star One è uno dei tanti progetti messi in piedi da Arjen Anthony Lucassen nel corso della sua lunga carriera, e “Vitcims Of The Modern Age” è il secondo lavoro uscito sotto questo monicker, a otto anni di distanza dal fortunato “Space Metal”. La formula proposta è sempre la stessa, un progressive metal di alta qualità dalle atmosfere spaziali che ha come principale fonte di ispirazione i film preferiti di Arjen.

Tutte le canzoni del capitolo precedente infatti traevano spunto da film di fantascienza ambientati nello spazio (Alien, Stargate, ecc.), mentre questa volta l’ispirazione nasce da film di guerra (ad es. Platoon) e da alcuni a sfondo apocalittico/catastrofico.

Venendo all’aspetto musicale, come d’abitudine siamo al cospetto di una formazione composta da ospiti illustri del calibro di Russel Allen, Damian Wilson, Floor Jansen, Gary Wehrkamp, Tony Martin (tanto per citarne alcuni), e il risultato non tradisce assolutamente le aspettative.

Fin dalle prime note si rimane colpiti dalla qualità della produzione: suoni cristallini e incisivi a partire da chitarre moderne che delineano riff potenti, oscuri, di facile presa ma mai banali o scontati; un uso massiccio di tastiere e sintetizzatori che per tutto il disco la fanno da padrone come non mai: l’immancabile hammond si amalgama alla perfezione con morbidi tappeti musicali e violenti assolo dal timbro futuristico (come in “Human See, Human Do”). Nulla da eccepire inoltre per quanto riguarda la sezione ritmica grazie al fido Ed Warby, batterista praticamente fisso, vista la sua partecipazione a tutti i progetti di Arjen.

Dopo l’intro “Down The Rabbit Hole” (sulla falsa riga di “Lift-Off”) si parte alla grande con “Digital Rain”, una delle tracce migliori dove Allen da subito il meglio di se. Seguono “Earth That Was” e “Victimis Of The Modern Age”, quest’ultima più oscura, in cui fa capolino anche il growl di Dan Swano. E via via il disco scorre liscio senza scivoloni grazie a ottimi brani come il già citato “Human See, Human Do”, “Cassandra Complex” e “It’s Alive, She’s Alive, He’s Alive”.

Qualche critica però va fatta: innanzitutto l’eccessiva atmosfera cupa del cd a lungo andare risulta pesante, laddove "Space Metal" offriva ritornelli più melodici e arrangiamenti più progressivi e variegati. In secondo luogo, mancano dei begli assoli. Le chitarre infatti tracciano ottimi riff ma le parti soliste sono piuttosto semplici e passano inosservate. Infine, un paio di pezzi non sono proprio all’altezza della situazione ("25 Hours" e "It All Ends Here"). A parte questo, l’album si mantiene su alti livelli, ed è consigliato veramente a tutti.

Il disco è disponibile anche in versione limitata contenente un secondo cd con 5 bonus tracks e una traccia video con il make of del disco.

La recensione è stata realizzata per il portale www.entrateparallele.it. Ringrazio i responsabili del sito per il permesso di utilizzare questo testo sul mio blog.

Tracklist:

1] Down the Rabbit Hole (01:20)

2] Digital Rain (06:23)

3] Earth that Was (06:08)

4] Victim of the Modern Age (06:27)

5] Human See, Human Do (05:14)

6] 24 Hours (07:20)

7] Cassandra Complex (05:24)

8] It's Alive, She's Alive, We're Alive (05:07)

9] It All Ends Here (09:46)

Cantanti

Russell Allen (Symphony X)

Damian Wilson (Headspace, Threshold)

Floor Jansen (ex-After Forever, ReVamp)

Dan Swanö (Nightingale, Second Sky, ex-Edge of Sanity)

Tony Martin (Ex-Black Sabbath)

Mike Andersson (Cloudscape, Full Force, Silent Memorial)

Rodney Blaze

Musicisti

Arjen Lucassen - Guitars, keyboards

Ed Warby - Drums (Ayreon, Hail of Bullets, Gorefest)

Peter Vink - bass

Joost van den Broek - keyboard solos (Ex-After Forever)

Gary Wehrkamp - guitar solos (Shadow Gallery)

Cliccando su www.arjenlucassen.com si può accedere alla home page di Arjen, dalla quale è poi possibile accedere ai siti dei singoli progetti.

Labyrinth - Ritorno al paradiso negato!

2011-03-06T06:09:00.000-08:00

Titolo: Return To Heaven Denied pt.2 (A Midnight Autumn's Dream)
Autore: Labyrinth
Genere: Prog/Power
Anno: 2010
Etichetta: Scarlet Records (www.scarletrecords.it)
Voto: 7
Sito internet: www.labyrinthband.com

Quella del disco “parte seconda” è una delle strategie di marketing più ruffiane nell’ambiente musicale degli ultimi anni. Ma come si dice…l’abito non fa il monaco, e molte aspettative sono state deluse nel corso del tempo, basti pensare a famosi sequel come “Land Of The Free pt. 2” dei Gamma Ray, “The Clans Are Marching Again” dei Grave Digger o agli Helloween, che addirittura hanno scritto la terza parte di una delle pietre miliari della storia del power metal.

Fortunatamente però c’è anche tutta una serie di uscite che se da un lato non sono artisticamente e/o economicamente comparabili al primo capitolo, dall’altro risultano essere degli ottimi prodotti.

Il nuovo album dei Labyrinht, intitolato “Return To Heaven Denied pt. 2 (A Midnight Autumn’s Dream)” rientra per fortuna nell’elenco dei dischi riusciti.

La ricorrenza in questo caso è ancora più sentita, in quanto il nuovo disco vede il ritorno di Olaf Thorsen (il fondatore del gruppo) alla chitarra. E la sterzata è di quelle incisive! Se infatti negli ultimi anni il sound dei Labyrinth si era avvicinato sempre più a un rock progressivo colto ed elegante, con Olaf al comando si ritorna a quel power/prog degli esordi (una miscela di potenza, tecnica e melodia) che fece esplodere il gruppo a livello internazionale e che in qualche modo diede la spinta propulsiva all’emersione di una scena metal italiana ancora troppo confinata all’underground “da cantina”.

Il richiamo al primo capitolo è palese fin dalle prime note di “The Shooting Star” (l’intro di tastiera è quello di “Moonlight”), un pezzo power intervallato da emozionanti stacchi strumentali. E qui aprirei subito una parentesi su un aspetto a mio avviso contraddittorio dell’album, ovvero la presenza di troppi stacchi e rallentamenti (comunque belli e coinvolgenti) all’interno di song potenti e veloci. Nonostante in questi momenti emerga una vena compositiva malinconia e introspettiva di alto spessore artistico, alcuni pezzi veloci perdono inevitabilmente la loro carica. Si crea una certa discontinuità che spiazza l’ascoltatore: laddove ci si aspetta che la canzone cresca fino ad esplodere, arriva il break che smorza l’entusiasmo (è il caso della citata “The Shooting Star” o anche di “Princess Of The Night”).

A parte questo piccolo pelo nell’uovo, il disco scivola via senza particolari intoppi. I suoni sono potenti e nitidi (particolarmente curata è la parte solistica), la produzione ottima, la prestazione di tutti i membri è degna di lode: questo disco è decisamente il degno successore di “Return To Heaven Denied”.

Tra gli episodi migliori cito “Like Shadows In The Dark”, “Sailors Of Time”, “To Where We Belong” (uno dei mie brani preferiti, anche se il break in cui Olaf si lancia nei suoi assoli al fulmicotone ricorda un po’ quello di “Lady Lost In Time”), fino ad arrivare a “A Midnight Autumn’s Dream”, a mio avviso il pezzo più bello e intenso dell’album, nonché uno dei migliori brani dei Labyrinth. Una semi-ballad in cui arpeggi di chitarra classica ed elettrica e bellissimi assoli si amalgamo perfettamente all’interpretazione vocale di un bravissimo Rob Tyrant, per un brano emozionante e di grande atmosfera.

A chiudere il disco un trittico di brani sopra la media: “The Mornings Call”, l’ipnotica “In This Void” e “Painting On The Wall”, un altro dei miei brani preferiti che si conclude con la ripresa del finale di “Falling Rain”.

In definitiva un gran bel disco (penalizzato forse per un paio di brani che non convincono al 100% e per la sensazione di dejavu che qua e la si avverte) che farà felice i fan di vecchia data e tutti gli amanti del power/prog tecnico ed emozionante allo stesso tempo.

Bravi Labyrinth, e soprattutto bentornati!

Tracklist

1. The Shooting Star - 08:11

2. A Chance - 05:52

3. Like Shadows in the Dark - 05:35

4. Princess of the Night - 05:51

5. Sailors of Time - 04:30

6. To Where We Belong - 04:49

7. A Midnight Autumn's Dream - 06:54

8. The Morning's Call - 06:38

9. In This Void - 04:38

10. A Painting on the Wall - 05:19

Durata totale 00:59:06

Lineup

Roberto Tiranti - Voce, Basso

Andrea Cantarelli - Chitarra

Olaf Thorsen - Chitarra

Andrea de Paoli - Tastiera

Alessandro Bissa - Batteria

Battleroar: reinterpretare il passato a suon di musica

2011-03-04T10:18:00.000-08:00

Titolo: To Death And Beyond...
Autore: Battleroar
Genere: Epic Metal
Anno: 2008
Etichetta: Cruz Del Sur Music
Voto: 7,5
Sito internet: www.battleroar.com (attualmente non aggiornato)
MySpace: http://www.myspace.com/battleroar1

Oltre che da poche ma belle letture, l’estate 2008 è stata accompagnata dall’ascolto (come sempre del resto) di buona musica. Così, dopo avere in parte scoperto e in parte rispolverato l’intera discografia dei Manowar, mi sono ritrovato per le mani questo piccolo gioellino intitolato “To Death and Beyond…” dei greci Battleroar, che mi ha davvero sorpreso. Era molto tempo infatti che non ascoltavo musica così carica, esaltante e trascinante.

I Battleroar sono l’esempio lampante di come sia possibile reinterpretare il passato: sfruttare la tradizione per creare qualcosa di nuovo senza per forza cadere nella ripetizione, nel già sentito e, come troppo spesso accade, nella citazione palese.

L’influenza dei “maestri” è evidente, Manowar e Iron Maiden la fanno da padrone a più riprese, ma ciò è inevitabile quando si “maneggia” un genere orami saturo come l’heavy metal.

Ma i Battleroar ce la mettono davvero tutta, e grazie a un songwriting ispirato danno vita davvero a della bella musica.

A mio parere l’arma vincente del cd è il “tiro”, l’irruenza e la carica delle canzoni che assalgono l’ascoltatore e lo invitano a immedesimarsi nel testi guerreschi e battaglieri (ben fatti e per niente banali), nonché a premere – pericolosamente – sull’acceleratore…

In un periodo in cui la maggior parte delle band (inflazionate e non) puntano tutto sulla produzione ultra perfetta e sul ritornello facile (a discapito appunto della “carica”), i Battleroar assalgono e colpiscono come da tanto non sentivo.

Si parte alla grande con l’ottima “The Wrathforge”, poi “Dragonhelm” (dal break centrale davvero tirato), per arrivare alla prima perla del cd: “Finis Mundi”. Un brano di oltre minuti, potente e oscuro, dove i Battleroar si dimostrano in grado di creare atmosfere.

I due ottimi brani successivi (“Metal Hellas” e “Hyrkanian Blades”) conducono alla seconda perla del cd: “Oceans of Pain”, un brano carico di atmosfere malinconiche (soprattutto nel break centrale, costruito utilizzando violino sintetizzato) potente e suggestivo, della durata di oltre 10 minuti, dove i Battleroar sfoggiano una buona tecnica e personalità.

Con “Born in the ’70” si fa un tuffo nel migliore hard rock degli anni ’80, mentre nella prorompente “Warlord of Mars” la vena “maideniana” emerge notevolmente (impossibile non pensare a “The Trooper”).

Chiude il capitolo “Death Before Disgrace” (la mia preferita), dall’incedere eroico e battagliero, un’altra lunga canzone dove tecnica, potenza e suggestione la fanno da padrone. Molto bella la parte finale, un vero e proprio inno di battaglia che non potrà non farvi immedesimare nella lotta dei nostri eroi…e di nuovo a spingere sull’acceleratore!

Pur essendo il cd di ottimo livello, non si può ancora parlare di capolavoro: innanzitutto la qualità della produzione è piuttosto scarsa: a volte il suono della chitarra è impastato e la batteria spesso viene soopraffatta dagli altri strumenti. Il secondo punto debole è rappresentato dalla voce del cantante.

L’italiano Marco Concoreggi ce la mette tutta in fatto di grinta, potenza ed espressività, purtroppo però è proprio il timbro della voce a non essere bello, tant'è che in certi passaggi un pò più teatrali risulta pacchiana.

Particolari però sorvolabili se ci si concentra sulla qualità della musica, che oltre al sopra citato “tiro” offre “giri” originali, ottimi arrangiamenti e finalmente dei begli assoli di chitarra: melodici, ben studiati, e di conseguenza ben amalgamati nelle canzoni.

Insomma, una piacevole scoperta e credo anche una buona garanzia per il futuro!

Tracklist

1. The Wrathforge

2. Dragonhelm

3. Finis Mundi

4. Metal From Hellas

5. Hyrkanian Blades

6. Oceans Of Pain audio

7. Born In The 70's

8. Warlord Of Mars

9. Death Before Disgrace

Durata totale 00:59:06

Lineup

Marco Congoreggi - voce

Kostas Tzortzis - chitarra

Stelios Sovolos - chitarra

Gus Makrikostas - basso

Nick Papadopoulos - batteria

Stratovarius - "Elysium"

2011-03-02T05:41:00.000-08:00

Titolo: Elysium
Autore: Stratovarius
Genere: Power Metal
Anno: 2011
Etichetta: Edel Music
Voto: 7,5
Sito internet: www.stratovarius.com

““Polaris” was the album that saved the band. Without it there would not be any Stratovarius. With “Elysium” we are showing the people that Stratovarius are back at the top of power metal”.

Con queste parole di Timi Kotipelto (presenti su una delle 4 promotional cards contenute nell’edizione deluxe di “Elysium”) si potrebbe già concludere la recensione. Non ci sono parole migliori infatti per descrivere in poco tempo la storia recente degli Stratovarius.

Dopo le ultime deludenti uscite, i litigi tra i membri della band, le vicissitudini legali e personali spiattellate su tutte le riviste del settore sotto forma di telenovela e l’abbandono definitivo di Timo Tolkki, gli Stratovarius avevano solo due possibilità: sciogliersi, oppure tentare il tutto per tutto con una nuova formazione. E così, reclutato il giovane e talentuoso Matias Kupiainen, i finnici si sono rimboccati le maniche e sono letteralmente ripartiti da zero con “Polaris”, un disco non eccezionale, ma di certo superiore ai vari “Stratovarius” o “Elements pt. 1/2”. Un disco insomma, citando Timo, che ha salvato la band, l’ha rimessa in carreggiata e le ha permesso di poter gridare al mondo intero “Hey, siamo ancora qua”. E il mondo l’ha ascoltata e aspettata, non avendola mai dimenticata.

Anche la seconda parte della citazione di Kotipelto è vera: con il nuovo “Elysium” gli Stratovarius sono finalmente ritornati al centro della scena metal internazionale.

Il nuovo disco suona Stratovarius al 100% e allo stesso tempo è permeato da una freschezza che mancava da troppo tempo.

A mio avviso Matias non fa per niente rimpiangere Tolkki. Per carità un grande chitarrista, ma dallo stile statico e troppo legato a Malmsteen e al neoclassicismo in generale. Le ultime composizioni erano infarcite di scale davvero pesanti da digerire. Matias invece ha un approccio più dinamico allo strumento e di conseguenza è più svincolato da certi canoni.

I die hard fans possono stare tranquilli, il disco presenta comunque i famosi assoli veloci e le scale neoclassiche (chitarra e tastiera si danno battaglia come al solito), ma dosate con più parsimonia e alternate a parti più improvvisate.

La produzione come sempre è ottima, la prestazione di tutti i membri è eccellente e una menzione particolare va fatta proprio per Kotipelto, autore di una prova egregia nonostante le tonalità siano per tutto il cd medio-alte. Ed è proprio questo l’aspetto più interessante della voce di Timo nel 2011: cantare bene senza dover per forza irrompere con acuti spacca orecchie solo perché nel power va di moda fare gli acuti. Ed anche nelle tonalità basse la voce è molto migliorata: la si sente in pieno, non si riduce a un vocalizzo sforzato.

Per quanto riguarda le canzoni, sono tutte di ottima fattura e ce n’è per tutti i gusti: dal classico brano catchy apripista (“Darkest Hour”) ai canonici brani power metal come “Under Flaming Skies” e “Infernal Maze”

C’è da dire che i brani migliori sono quelli più cadenzati, come “Fairness Justified” e la cupa “Lifetime In A Moment” (che viaggia sulla scia di pezzi come “The Abyss Of Your Eyes”). C’è spazio per una ballad molto bella e intensa (“Move The Mountain”) e dopo un’altra classica power song (“Event Horizon”) si finisce con “Elysium”, un brano stupendo della durata di 18 minuti, che racchiude l’essenza dei nuovi Stratovarius: classe, eleganza, potenza, atmosfera, emozionalità.

Bel lavoro, bentornati.

Tracklist

01 Darkest Hours

02 Under Flaming Skies

03 Infernal Maze

04 Fairness Justified

05 The Game Never Ends

06 Lifetime in a Moment

07 Move the Mountain

08 Event Horizon

09 Elysium

Lineup

Timo Kotipelto - Voce

Jens Johansson - Tastiera

Jörg Michael - Batteria

Lauri Porra - Basso

Matias Kupiainen - Chitarra

Il cd è disponibile anche in versione digipack "deluxe" contenente 4 promotional cards e un secondo cd con le versioni demo di tutti i brani.

Disco solista per Ralf Scheepers

2011-03-01T05:21:00.000-08:00

Titolo: Scheepers
Autore: Ralf Scheepers

Genere: Heavy Metal

Anno: 2011

Etichetta: Frontiers Records

Voto: 6,5

Sito internet: MySpace

Dopo anni di gavetta ed una carriera di tutto rispetto, è arrivato anche per Ralf Scheepers il momento del disco solista. C’erano diverse aspettative su questo progetto, specialmente per le dichiarazioni dello stesso Ralf, che in più occasioni aveva espresso il desiderio di pubblicare qualcosa di più personale e diverso dal solito, e per la presenza di ospiti importanti come Kai Hansen (Gamma Ray), Victor Smolski (Rage), Tim Owens (ex Iced Earth ed ex Judas Priest), Snowy Shaw (King Diamond, Dimmu Borgir, Therion) e i fidi Magnus Karlsson e Mat Sinner, già compagni d’avventura nei Primal Fear. Da segnalare tra i musicisti anche lo stesso Scheepers (chitarra acustica, tastiere, effetti).

Dispiace un po’ constatare che, musicalmente parlando, queste aspettative vengano deluse. Non siamo infatti molto lontani dal classico power metal teutonico influenzato dai Judas Priest, tuttavia ci sono alcuni episodi in cui emerge una vena hard rock molto cara a Ralf già dai tempi dei primi Gamma Ray (forse qualcuno ricorderà “Free Time” in "Heading For Tomorrow", da lui interamente firmata).

La mancanza di originalità non deve comunque scoraggiare: il disco infatti non è per niente male. Si parte in pieno stile Primal Fear con “Locked in The Dungeon”, che esplode subito con un riff “spacca-tutto” (un po’ scontato, alla “Painkiller” tanto per intenderci) ma che comunque svolge benissimo il compito di far scatenare l’headbanging. Il refrain accattivante e melodico crea i giusti presupposti per un brano tutto sommato di buona fattura. Si prosegue senza tregua con “Remission Of Sin”, un pezzo hard rock per il quale vale il discorso del brano precedente: un po’ scontato in certi punti, ma comunque di impatto e dotato di un bel “tiro”. “Cyberkreak” è un altro ottimo brano, dalle tinte più fosche, e a seguire troviamo “The Fall” e “Doomsday”, due tra i pezzi migliori, dove vengono impiegati suoni di chitarra leggermente più moderni e in linea con le recenti produzioni in ambito power metal. Seguono l’anthemica “Saints Of Rock”, dal ritornello un po’ banale ma di certo efficace dal vivo, e “Before The Dawn”, cover dei Judas Priest egregiamente riarrangiata e interamente suonata da Ralf (a parte l’assolo, ad opera di Victor Smolski).

I pezzi seguenti sono tra i meno riusciti del lotto: “Back On The Track”, che suona tremendamente anni ’80, e “Dynasty”, piuttosto anonima.

A questo punto vale la pena aprire una piccola parentesi critica sui suoni dell’album, l’aspetto che più ne penalizza la riuscita. A parte un paio di episodi in cui si sentono chitarre più fresche e moderne, il resto pare uscito da vecchissimi dischi metal di fine anni Settanta. La volontà di un artista di non cedere alle mode o di non stravolgere il proprio suono è degna di lode, tuttavia nel 2011 un suono piatto e stantio come in “Back On The Track” è davvero improponibile! Credo che in questo senso si potesse fare molto di più, ne avrebbe giovato anche il songwriting.

Continuando con l’analisi dei brani troviamo verso la fine la ballad “The Pain Of The Accused”, molto bella; mentre in chiusura troviamo l'ottantiana "Play With Fire" e "Compassion", un’altra interessante ballad acustica.

Menzione particolare, infine, per la prestazione vocale di Ralf, sulla quale, come sempre, non c’è nulla da eccepire. In definitiva un disco discreto, che non aggiunge molto a quanto fatto da Ralf in passato, ma comunque in grado di incendiare gli animi dei fedelissimi amanti di certe sonorità.

Tracklist

1. Locked In The Dungeon

2. Remission Of Sin

3. Cyberfreak

4. The Fall

5. Doomsday

6. Saints Of The Rock

7. Before The Dawn

8. Back On The Track

9. Dynasty

10. The Pain Of The Accused

11. Play With The Fire

12. Compassion

Lineup

Ralf Scheepers: Lead & Backing Vocals; Acoustic Guitar; Keyboards; FX Sounds

Tim “Ripper” Owens: Lead Vocals on “Remission of Sin”

Magnus Karlsson: Lead Guitars; Guitars; Banjo; Accordion; Keyboards

Sander Gommans: Lead Guitar, Guitars

Mike Chlasciak, Alex Beyrodt; Kai Hansen; Victor Smolski: Lead Guitars

Mat Sinner: Bass, Keyboards

Snowy Shaw: Drums

Anathema: la voce del silenzio

2011-02-27T04:12:00.000-08:00

Titolo: Judgement

Autore: Anathema

Genere: Prog/Gothic Rock

Anno: 1999

Etichetta: Music For Nations

Voto: 7,5

Sito internet: www.anathema.ws

Correva l’anno 1999 quando uscì il settimo studio album degli inglesi Anathema, dall’apocalittico titolo “Judgment”. Mi ha sempre incuriosito la copertina, mi colpiva ogni volta che mi capitava sott’occhio, quasi avesse un effetto ipnotico. Tuttavia a quel tempo non ero ancora avvezzo a certe atmosfere e sonorità, per cui non mi sono mai interessato a quel cd e al gruppo in generale.

Da qualche anno a questa parte invece ho imparato ad apprezzare l’aspetto più morbido della scena gothic rock/metal (Nightwish, Within Temptation, Him, Evergrey) e nel 2008 decisi di acquistare quello che si rivelò un bellissimo cd.

Documentandomi sugli Anathema, scoprii che la band proponeva agli esordi un Doom Metal di buon fattura grazie al quale raggiunse un discreto successo. Poi con il passare del tempo si distaccò sempre più dal genere per accostarsi a sonorità più ricercate e introspettive dalle atmosfere cupe e malinconiche tipiche del Gothic Metal (un po’ la strada seguita dai connazionali Paradise Lost).

Già sul precedente “Eternity” si avvertono le prime avvisaglie di questo cambio di rotta, tuttavia è proprio con "Judgment" che la frattura si fa più marcata.

Il disco è un ottimo concentrato di rock molto influenzato dai Pink Floyd, dalle tinte leggermente psichedeliche ("Parisienne Moonlight)" con spaziature nell’ambient, il tutto inserito un contesto gothic.

Ascoltando questo cd nel complesso, non si può fare a meno di notare di come la musica degli Anathema sia la voce del silenzio e dell'inverno, della solitudine e dell’abbandono. Il tempo sembra acquistare un ritmo diverso, a tratti più lento ma comunque inesorabile, ed è proprio lo scorrere del tempo (e della vita che lenta si spegne) il tema centrale di tutto il disco. La prima traccia, "Deep", ben rappresenta lo spirito dell’intero cd.

E’ difficile stilare una classifica dei brani migliori, essendo tutti molto belli e di alta qualità. Spiccano però per eleganza e intensità "Forgotten Hopes", "Make It Right" (con le tastiere in rilievo che mi ricordano un po’ Space-dye Vest dei Dream Theater), "One Last Goodbye", estremamente malinconica, "Judgment", dove un rock duro di colpo erompe; e su tutte "Emotional Winter", con un intro di “chitarra gabbiano” che suona Pink Floyd al 100%.

Chi non è avvezzo a sonorità cupe e malinconiche non apprezzerà la musica degli Anathema. Chi invece ha tempo per mettersi comodamente in poltrona e lasciarsi avvolgere da atmosfere oniriche capaci di emozionare e trascinare l'ascoltatore su mondi lontani, troverà con questo "Judgment" la propria/un’altra dimensione.

“Time recedes every day

You can search your soul but you won't see

As we pass ever on and away

Towards some blank infinity”

(Deep)

Tracklist

1) Deep

2) Pitiless

3) Forgotten Hopes

4) Destiny Is Dead

5) One Last Goodbye

6) Make It Right (F.F.S.)

7) Parisienne Moonlight

8) Don't Look too Far

9) Emotional Winter

10) Wings of God

11) Judgement

12) Anyone, Anywhere

13) 2000 & Gone

14) Transacoustic*

Lineup

Vincent Cavanagh - Voce, Chitarre

Danny Cavanagh - Chitarra elettrica, Chitarra acustica, Tastiere

John Douglas - Batteria

Dave Pybus - Basso

Grave Digger - "Ballads Of A Hangman"

2011-02-25T13:08:00.000-08:00

Titolo: "Ballads Of A Hangman"
Autore: Grave Digger
Genere: Power Metal
Anno: 2009
Etichetta: Napalm Records
Voto: 6,5
Sito internet: www.grave-digger-clan.com

Puntuali come un orologio svizzero, tornano dopo due anni i teutonici Grave Digger con il nuovo album, dall’eccentrico titolo “Ballads Of A Hangman”. Disco che farà sicuramente felici i fan più sfegatati, ma che deluderà quella schiera di sostenitori che, pur amando il gruppo alla follia, non si accontenta più della solita minestra.
In vent'anni di onorata carriera dedita all’heavy metal più intransigente ed incontaminato, i Grave Digger hanno prodotto musica di eccellente qualità incuranti delle mode del momento; hanno incendiato le platee di mezzo mondo con esibizioni devastanti e coinvolgenti, sono diventati una della punte di diamante del power metal tedesco e… E poi? E poi si sono fermati.
Da qualche anno la vena compositiva del gruppo si è infatti assopita, e non è bastato l’inserimento di una seconda chitarra, Thilo Hermann (ex Running Wild), per sollevare il velo di polvere che si era posato su “The Last Supper”, inspessitosi poi sul penultimo “Liberty Of Death”.
Il punto debole degli ultimi Grave Digger non è la mancanza di originalità, perché originali non lo sono mai stati. Quello che manca è proprio la bella musica. L’impressione è che i Grave Digger, forti di un successo ben consolidato con il pubblico e sul mercato, si siano adagiati sugli allori, proponendo con lo stampino una formula ben collaudata ma ahimè priva di personalità: riff potenti e d’assalto, ritmi spaccaossa che al primo accenno fanno sobbalzare, ma dopo un minuto già perdono qualsiasi effetto, invitando l’ascoltatore a passare alla traccia successiva.
Ma veniamo al disco nello specifico. Dopo l’immancabile intro si parte un po’ in sordina con la title track, dal ritornello epico un po’ troppo ripetuto, ma tutto sommato carino. Segue una priestiana “Hell Of Disillusion”, brano potente che farà sicuramente strage in sede live (ma non esaltante su cd), per poi passare all’unica traccia veramente riuscita del disco: “Sorrow Of The Dead”. Riff iniziale potente e diretto (alla William Wallace, tanto per intenderci), ritmo incalzante e ritornello molto melodico, che mi hanno riportato alla mente il bellissimo (ma sottovalutato) “The Grave Digger” del 2001, nel quale Manni Schmidt aveva veramente fatto la differenza.
A metà cd troviamo un lento, ”Lonely The Innocence Dies”, a mio avviso uno dei peggiori che i Grave Digger abbiano mai scritto. Un pessimo pezzo ulteriormente guastato dalla voce stridula ed insignificante di Veronica Freeman dei Benedictum, ospite per l’occasione.
Del resto del lotto si salvano la priestianissima “The Shadow Of Your Soul” e la conclusiva "Pray", commerciale e dal ritornello catchy (ma comunque carina) che ha fatto da singolo apripista per il full lenght.
La versione speciale in mio possesso contiene anche la cover dei Thin Lizzy “Jailbreak”, arrangiata alla Grave Digger maniera.
Dopo ripetuti ed approfonditi ascolti (compreso l’ascolto a tutto volume in macchina per testare l’effetto sull’acceleratore, per me una sorta di prova del nove), poco o niente rimane impresso di questo cd. I brani non sono brutti, sia chiaro, non siamo di fronte a un disco scandaloso. Tuttavia sono deboli, senza effetto e senza “tiro”. Non coinvolgono; a fatica si ricordano i ritornelli, spesso banali.
Credo che i Grave Digger possano e debbano fare di più. In attesa del “colpo grosso” gustiamoci le esibizioni live, dove i nostri danno sempre il massimo e il meglio sè stessi.

Tracklist:

1. The Gallows Pole
2. Ballad Of A Hangman audio
3. Hell Of Disillusion
4. Sorrow Of The Dead
5. Grave Of The Addicted
6. Lonely The Innocent Dies
7. Into The War
8. The Shadow Of Your Soul
9. Funeral For A Fallen Friend
10. Stormrider
11. Prey

Line up:

Chris Boltendahl - Voce
Manni Schmidt - Chitarra
Thilo Hermann - Chitarra Ritmica
Hans Peter Katzenburg - Tastiere
Jens Becker - Basso
Stefan Arnold - Batteria

Ayreon - "01011001"

2011-02-25T08:15:00.000-08:00

Titolo: "01011001"

Autore: Ayreon
Genere: Progressive Metal
Anno: 2008
Etichetta: InsideOut Music
Voto: 9
Sito internet: www.arjenlucassen.com

Ritorna l'eclettico e instancabile Anthony Arjen Lucassen con un nuovo capitolo del suo progetto principale Ayreon.
In questo bellissimo “01011001” Lucassen torna ad affrontare le tematiche spaziali a lui tanto care, dopo la parentesi "terrena" dell'ottimo “The Human Equation” del 2004, e sembra proprio che sia la "space opera" la giusta dimensione di Ayreon, visto che questo ultimo lavoro - a detta di chi scrive - si rivela superiore al precedente, di livello tranquillamente accostabile ai masterpieces “The Final Experiment” e “Universal Migrator 1 & 2”.
Ma andiamo per gradi: anche questa volta, in piena tradizione Ayreon, ci troviamo di fronte ad un concept. La storia narrata è un’evoluzione di quella iniziata con “The Final Experiment”, accennata poi alla fine di “Into the Electric Castle” e ripresa in “Universal Migrator”, tant’è che leggendo i testi con attenzione si trovano facilmente riferimenti a queste opere. Lo stesso discorso vale più o meno anche per l'aspetto musicale: “01011001” presenta tutte le sfaccettature più interessanti dello stile di Ayreon a cui siamo abituati: gli inserimenti folk (“River of Time”), le atmosfere suggestive e darkeggianti (“Age of Shadows”, "Unnatural Selection”, “The Sixth Extinction”), gli spazi ambient (“Comatose”), i brani più muscolosi di puro stampo Heavy e quelli facilmente assimilabili dal ritornello catchy, senza mai cadere sulla banalità (come la melodica “Ride The Comet”). Il tutto mescolato ed assemblato ad arte con il solito gusto e la solita classe del polistrumentista Arjen.
Sempre come da tradizione, anche questa volta Lucassen si è avvalso della collaborazione di più artisti, la maggior parte conosciuta a livello internazionale e mondiale più qualche artista sconosciuto.
Tra le voci maschili vale la pena di citare Jorn Lande, possente e grintoso come al solito, anche se il meglio emerge in questo caso nelle parti più soft (molto bella la performance in “Comatose”); Daniel Gildenlow dei Pain of Salvation, che certo non si risparmia sulle note più alte; Jonas P. Renske dei Katatoniam, al centro della scena nelle parti più malinconiche e Steve Lee dei Gotthard, unico nel suo stile. Molto belle, ma senza eccessi, le prestazioni di Bob Catley e Hansi Kursch, quest’ultimo richiesto a gran voce dai fans, a detta di Lucassen. Tra le voci femminili, invece, spiccano per bellezza interpretativa Anneke Van Giersbergen, dolce e suadente, una meravigliosa e brillante Simone Simons (Epica) e la prorompente Magali Luyten, ruvida, possente e graffiante.
Il risultato finale è un ottimo album di progressive metal, molto più dark rispetto alle uscite precedenti, ma in ogni caso di altissimo livello.

Da segnalare l’eccezionale produzione, come al solito merito degli “Electric Castle Studios) di proprietà dello stesso Arjen.

Di sicuro, uno delle migliori uscite del 2008.

Tracklist:

CD 1:
1. Age Of Shadows
2. Comatose
3. Liquid Eternity
4. Connect The Dots
5. Beneath The Waves
6. New Born Race
7. Ride The Comet
8. Web Of Lies

CD 2:
1. The Fifth Extinction
2. Waking Dreams
3. The Truth Is In Here
4. Unnatural Selection
5. River Of Time
6. E=mc2
7. The Sixth Extinction

Lineup
Voci
Forever

Nel booklet, ognuno di questi artisti è rappresentato da un simbolo.

* Tom S. Englund (Evergrey)
* Steve Lee (Gotthard
* Daniel Gildenlöw (Pain Of Salvation)
* Hansi Kürsch (Blind Guardian)
* Floor Jansen (After Forever)
* Jonas Renkse (Katatonia)
* Anneke van Giersbergen (Agua de Annique, ex The Gathering)
* Jørn Lande (Masterplan)
* Magali Luyten (Virus IV)
* Bob Catley (Magnum)

Man

* Ty Tabor - King's X
* Simone Simons - Epica
* Phideaux Xavier - Phideaux
* Arjen Lucassen
* Liselotte Hegt - Dial
* Wudstik
* Marjan Welman - Elister

Musicisti

* Arjen Lucassen - tutte le chitarre elettriche ed acustiche, bassi, mandolini, tastiere, sintetizzatori, organo Hammond e Solina
* Ed Warby - tutte le batterie e le percussioni

Tastiere aggiuntive e solisti

* Lori Linstruth - assolo di chitarra in Newborn Race
* Derek Sherinian - assolo di sintetizzatore in The Fifth Extincion
* Tomas Bodin - assolo di sintetizzatore in Waking Dreams
* Michael Romeo - assolo di chitarra in E=mc²
* Joost van der Broek - assolo di sintetizzatore e pianoforte in The Sixth Extinction

Strumenti acustici

* Ben Mathot - tutti i violini
* David Faber - tutti i violoncelli
* Jeroen Goossens - flauto, tin whistle, flauto basso